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Apelles malt Campaspe , ein Kunstwerk, das Menschen zeigt, die von bildender Kunst umgeben sind; von Willem van Haecht ; c. 1630; Öl auf der Verkleidung; Höhe: 104,9 cm, Breite: 148,7 cm; Mauritshuis ( Den Haag , Niederlande )
Die Kunst des Malens ; von Johannes Vermeer ; 1666–1668; Öl auf Leinwand; 1,3 x 1,1 m; Kunsthistorisches Museum ( Wien , Österreich )

Die Kunst Europas oder westliche Kunst umfasst die Geschichte der bildenden Kunst in Europa . Die europäische prähistorische Kunst begann als mobile Fels- und Höhlenmalerei und Petroglyphenkunst im oberen Paläolithikum und war charakteristisch für die Zeit zwischen dem Paläolithikum und der Eisenzeit . [1] Geschriebene Geschichten der europäischen Kunst beginnen oft mit der Kunst des alten Israel und der alten ägäischen Zivilisationen, aus dem 3. Jahrtausend v. Parallel zu diesen bedeutenden Kulturen gab es in ganz Europa Kunst der einen oder anderen Form, wo immer sich Menschen befanden, und hinterließ Zeichen wie Schnitzereien, verzierte Artefakte und riesige stehende Steine. Ein konsistentes Muster der künstlerischen Entwicklung in Europa wird jedoch erst mit der Kunst des antiken Griechenland deutlich , die von Rom übernommen und transformiert und getragen wurde. mit dem Römischen Reich in weiten Teilen Europas, Nordafrikas und des Nahen Ostens . [2]

Der Einfluss der Kunst der klassischen Periode gewachst und in den nächsten 2.000 Jahren nachgelassen, in Teilen der in eine ferne Erinnerung zu gleiten scheinen mittelalterlichen Zeit, um wieder auftauchen in der Renaissance , leidet eine Periode von dem, was einige frühen Kunsthistorikern als "decay" während der betrachteten Baroque Periode [3] in einer Form , in raffinierter wieder zu erscheinen Neoklassizismus [4] und wird neu geboren in Post-Moderne . [5]

Vor dem 19. Jahrhundert hatte die christliche Kirche einen großen Einfluss auf die europäische Kunst. Die Aufträge der Kirche waren architektonisch, malerisch und skulptural und bildeten die Hauptarbeitsquelle für Künstler. Die Geschichte der Kirche spiegelte sich in dieser Zeit sehr stark in der Kunstgeschichte wider. Im gleichen Zeitraum gab es ein erneutes Interesse an Helden und Heldinnen, Geschichten von mythologischen Göttern und Göttinnen, großen Kriegen und bizarren Kreaturen, die nicht mit der Religion verbunden waren. [6] Die meiste Kunst der letzten 200 Jahre wurde ohne Bezug zur Religion und oft ohne besondere Ideologie produziert , aber die Kunst wurde oft von politischen Themen beeinflusst, unabhängig davon, ob sie die Anliegen der Gönner oder des Künstlers widerspiegeln.

Die europäische Kunst ist in eine Reihe von Stilperioden unterteilt, die sich historisch überschneiden, wenn verschiedene Stile in verschiedenen Bereichen florieren. Im Großen und Ganzen sind die Perioden Klassik , Byzantinisch , Mittelalter , Gotik , Renaissance , Barock , Rokoko , Neoklassik , Moderne , Postmoderne und Neueuropäische Malerei . [6]

Prähistorische Kunst [ Bearbeiten ]

Europäische prähistorische Kunst ist ein wichtiger Bestandteil des europäischen Kulturerbes. [7] Die prähistorische Kunstgeschichte ist normalerweise in vier Hauptperioden unterteilt: Steinzeit , Jungsteinzeit , Bronzezeit und Eisenzeit . Die meisten der erhaltenen Artefakte dieser Zeit sind kleine Skulpturen und Höhlenmalereien.

Venus von Willendorf ; c. 26.000 v. Chr. (Gravettische Zeit); Kalkstein mit ocre Färbung; Naturhistorisches Museum ( Wien , Österreich)

Viel überlebende prähistorische Kunst sind kleine tragbare Skulpturen mit einer kleinen Gruppe weiblicher Venusfiguren wie der Venus von Willendorf (24.000–22.000 v. Chr.), Die in ganz Mitteleuropa zu finden sind. [8] Die 30 cm große Löwenmensch-Figur von etwa 30.000 v. Chr. Hat kaum Teile, die damit in Verbindung gebracht werden können. Das schwimmende Rentier von etwa 11.000 v. Chr. Ist eine der schönsten einer Reihe von Magdalenen- Schnitzereien in Knochen oder Geweih von Tieren in der Kunst des Oberen Paläolithikums , obwohl sie durch gravierte Stücke, die manchmal als Skulpturen klassifiziert werden, zahlenmäßig unterlegen sind. [9] Mit Beginn des MesolithikumsIn Europa war die figurative Skulptur stark reduziert [10] und blieb bis in die Römerzeit ein weniger verbreitetes Element in der Kunst als die Reliefdekoration praktischer Gegenstände, trotz einiger Werke wie des Gundestrup-Kessels aus der europäischen Eisenzeit und des bronzezeitlichen Trundholm-Sonnenwagens . [11]

Die älteste europäische Höhlenkunst stammt aus 40.800 Jahren und befindet sich in der El Castillo-Höhle in Spanien. [12] Weitere Höhlenmalereien sind Lascaux , die Höhle von Altamira , die Grotte de Cussac , Pech Merle , die Höhle von Niaux , die Chauvet-Höhle , Font-de-Gaume , Creswell Crags, Nottinghamshire, England 2003), Coliboaia-Höhle aus Rumänien (als älteste Höhlenmalerei Mitteleuropas angesehen ) [13] und Magura, [1] Belogradchik, Bulgarien. [14] Felsmalerei wurde auch auf Klippen durchgeführt, von denen jedoch weniger aufgrund von Erosion überlebt haben. Ein bekanntes Beispiel sind die Felsmalereien von Astuvansalmi in der finnischen Region Saimaa. Als Marcelino Sanz de Sautuola 1879 zum ersten Mal auf die magdalenischen Gemälde der Altamira-Höhle in Kantabrien, Spanien, stieß, betrachteten die damaligen Wissenschaftler sie als Scherz. Jüngste Neubewertungen und zahlreiche zusätzliche Entdeckungen haben seitdem ihre Authentizität bewiesen und gleichzeitig das Interesse an der Kunst der Völker des Oberpaläolithikums geweckt. Höhlenmalereien, die nur mit den rudimentärsten Werkzeugen gemacht wurden, können auch wertvolle Einblicke in die Kultur und die Überzeugungen dieser Zeit liefern.

Die Felskunst des iberischen Mittelmeerbeckens repräsentiert einen ganz anderen Stil, wobei die menschliche Figur im Mittelpunkt steht, oft in großen Gruppen, mit Schlachten, Tanzen und Jagen sowie anderen Aktivitäten und Details wie Kleidung. Die Figuren sind in der Regel eher skizzenhaft in dünner Farbe dargestellt, wobei die Beziehungen zwischen den Gruppen von Menschen und Tieren sorgfältiger dargestellt sind als einzelne Figuren. Andere weniger zahlreiche Gruppen von Felsmalereien, von denen viele eher graviert als gemalt sind, weisen ähnliche Eigenschaften auf. Es wird angenommen, dass die iberischen Beispiele aus einer langen Zeit stammen, die möglicherweise das Oberpaläolithikum, das Mesolithikum und das frühe Neolithikum abdeckt.

Die prähistorische keltische Kunst stammt aus weiten Teilen des eisenzeitlichen Europas und überlebt hauptsächlich in Form von hochrangigen Metallarbeiten, die gekonnt mit komplexen, eleganten und meist abstrakten Mustern dekoriert sind und häufig geschwungene und spiralförmige Formen verwenden. Es gibt menschliche Köpfe und einige vollständig dargestellte Tiere, aber menschliche Figuren in voller Größe in jeder Größe sind so selten, dass ihre Abwesenheit ein religiöses Tabu darstellen kann. Als die Römer keltische Gebiete eroberten, verschwand es fast vollständig, aber der Stil wurde auf den britischen Inseln nur begrenzt verwendet und mit dem Kommen des Christentums im Inselstil des frühen Mittelalters wiederbelebt .

  • Höhlenmalereien aus Lascaux- Höhlen ( Montignac, Dordogne , Frankreich)

  • Bison leckt Insektenstich ; 15.000–13.000 v. Geweih ; Nationales Museum für Vorgeschichte ( Les Eyzies-de-Tayac-Sireuil , Frankreich)

  • Der Denker ; von der Hamangia-Kultur aus Rumänien; c. 5000 v. Chr.; Terrakotta; Höhe: 11,5 cm (4 1 / 2 ; in.) Nationalmuseum für rumänische Geschichte ( Bukarest )

  • Weibliche Figur; von der Vinča-Kultur aus Serbien ; 4500-3500 v. Chr.; gebrannter Ton mit Farbe; Gesamt: 16,1 cm; Cleveland Museum of Art ( Ohio , USA)

Antike [ Bearbeiten ]

Minoisch [ Bearbeiten ]

Die minoische Kultur von Kreta gilt als die älteste Zivilisation Europas. [15] Die minoische Kunst zeichnet sich durch einfallsreiche Bilder und außergewöhnliche Verarbeitung aus. Sinclair Hood beschrieb eine "wesentliche Qualität feinster minoischer Kunst, die Fähigkeit, eine Atmosphäre der Bewegung und des Lebens zu schaffen, obwohl sie einer Reihe hoch formaler Konventionen folgt". [16] Es ist Teil der breiteren Gruppierung der ägäischen Kunst und hatte in späteren Perioden eine Zeitlang einen dominanten Einfluss auf die kykladische Kunst . Holz und Textilien haben sich zersetzt, so dass die meisten erhaltenen Beispiele minoischer Kunst Keramik und kunstvoll geschnitzte minoische Siegel sind, .Palace Freskos , die Landschaften), kleine Skulpturen in verschiedenen Materialien, Schmuck- und Metallverarbeitung umfasst.

Das Verhältnis der minoischen Kunst zu dem anderer zeitgenössischer Kulturen und später der antiken griechischen Kunst wurde viel diskutiert. Es dominierte eindeutig die mykenische Kunst und die kykladische Kunst derselben Zeit [17], selbst nachdem Kreta von den Mykenern besetzt war, aber nur einige Aspekte der Tradition überlebten das griechische Mittelalter nach dem Zusammenbruch des mykenischen Griechenlands . [18]

Die minoische Kunst hat eine Vielzahl von Themen, von denen viele medienübergreifend erscheinen, obwohl nur einige Keramikstile figurative Szenen enthalten. Bullensprünge treten in der Malerei und in verschiedenen Arten von Skulpturen auf und haben vermutlich eine religiöse Bedeutung. Stierköpfe sind auch ein beliebtes Thema in Terrakotta und anderen skulpturalen Materialien. Es gibt keine Figuren, die als Porträts von Individuen erscheinen oder eindeutig königlich sind, und die Identität religiöser Figuren ist oft vorläufig [19], wobei Gelehrte unsicher sind, ob sie Gottheiten, Geistliche oder Anhänger sind. [20] Ebenso ist alles andere als klar, ob bemalte Räume "Schreine" oder weltliche waren; Ein Raum in Akrotiri soll ein Schlafzimmer mit Resten eines Bettes oder eines Schreins sein. [21]

Tiere, einschließlich einer ungewöhnlichen Vielfalt der Meeresfauna, werden häufig dargestellt; Der " Marine Style " ist eine Art bemalte Palastkeramik aus MM III und LM IA, die Meerestiere einschließlich Tintenfische malt, die sich über das gesamte Schiff ausbreiten, und wahrscheinlich aus ähnlichen Freskenszenen stammt. [22] Manchmal erscheinen diese in anderen Medien. Jagd- und Kriegsszenen sowie Pferde und Reiter finden sich meist in späteren Perioden in Werken, die vielleicht von Kretern für einen mykenischen Markt oder von mykenischen Oberherren Kretas angefertigt wurden.

Während minoische Figuren, ob Mensch oder Tier, einen großen Sinn für Leben und Bewegung haben, sind sie oft nicht sehr genau und die Art ist manchmal unmöglich zu identifizieren; Im Vergleich zur altägyptischen Kunst sind sie oft lebendiger, aber weniger naturalistisch. [23] Im Vergleich zur Kunst anderer alter Kulturen gibt es einen hohen Anteil weiblicher Figuren, obwohl die Vorstellung, dass Minoer nur Göttinnen und keine Götter hatten, jetzt nicht berücksichtigt wird. Die meisten menschlichen Figuren sind im Profil oder in einer Version der ägyptischen Konvention mit Kopf und Beinen im Profil und dem Torso von vorne gesehen; Aber die minoischen Figuren übertreiben Merkmale wie schlanke männliche Taillen und große weibliche Brüste. [24]

  • Kamares war Schnabelkrug; 1850-1675 v. Keramik; Höhe: 27 cm; aus Phaistos ( Kreta , Griechenland); Archäologisches Museum Heraklion (Griechenland)

  • Der Malia-Anhänger ; 1800-1700 v. Chr .; Gold; Höhe: 4,6 cm, Breite: 4,9 cm; Archäologisches Museum Heraklion

  • Das Fresko nannte das Bull-Leaping-Fresko ; 1675-1460 v. Kalkputz; Höhe: 0,8 m, Breite: 1 m; vom Palast in Knossos (Kreta); Archäologisches Museum Heraklion

  • Figur "Schlangengöttin" ; 1460-1410 v. Chr. (Aus der minoischen neopalatialen Zeit); Fayence ; Höhe: 29,5 cm; aus dem Tempellager in Knossos; Archäologisches Museum Heraklion

Klassische griechische und hellenistische [ Bearbeiten ]

Das antike Griechenland hatte große Maler, große Bildhauer und große Architekten. Der Parthenon ist ein Beispiel für ihre Architektur, die bis in die Neuzeit Bestand hat. Die griechische Marmorskulptur wird oft als die höchste Form der klassischen Kunst beschrieben. Das Malen auf der Keramik des antiken Griechenlands und der Keramik gibt einen besonders informativen Einblick in die Funktionsweise der Gesellschaft im antiken Griechenland. Schwarzfigurige Vasenmalerei und Rotfigurige Vasenmalerei geben viele erhaltene Beispiele dafür, was griechische Malerei war. Einige berühmte griechische Maler auf Holztafeln, die in Texten erwähnt werden , sind Apelles , Zeuxis und ParrhasiusEs sind jedoch keine Beispiele antiker griechischer Tafelbilder erhalten, sondern nur schriftliche Beschreibungen ihrer Zeitgenossen oder späterer Römer. Zeuxis lebte zwischen 5 und 6 v. Chr. Und soll der erste gewesen sein, der Sfumato verwendet hatte . Nach Plinius dem Älteren war der Realismus seiner Bilder so, dass Vögel versuchten, die gemalten Trauben zu essen. Apelles wird als der größte Maler der Antike für perfekte Zeichentechnik, brillante Farben und Modellierung beschrieben.

  • Der Eathiletos-Maler Panathenaic Preis Amphore ; 530 v. Chr.; bemalte Terrakotta; Höhe: 62,2 cm; Metropolitan Museum of Art (New York)

  • Die Artemision Bronze ; 460-450 v. Chr .; Bronze; Höhe: 2,1 m; Nationales Archäologisches Museum ( Athen )

  • Der Parthenon auf der Athener Akropolis , der berühmteste dorische griechische Tempel aus Marmor und Kalkstein zwischen 460 und 406 v. Chr., Der der Göttin Athene gewidmet ist [25].

  • Spiegel mit einer Stütze in Form einer drapierten Frau; Mitte des 5. Jahrhunderts v. Bronze; Höhe: 40,41 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Calyx- Krater ; 400-375 v. Chr.; Keramik; Höhe: 27,9 cm, Durchmesser: 28,6 cm; aus Theben (Griechenland); Louvre

  • Das Grabrelief von Thraseas und Euandria ; 375-350 v. Chr .; Pentelic Marmor ; Höhe: 160 cm, Breite: 91 cm; Pergamonmuseum ( Berlin )

  • Volute Krater; 320-310 v. Chr .; Keramik; Höhe: 1,1 m; Walters Art Museum ( Baltimore , USA)

  • Statuette einer drapierten Frau; 2. Jahrhundert v. Terrakotta; Höhe: 29,2 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Venus de Milo ; 130–100 v. Chr .; Marmor; Höhe: 203 cm; Louvre

  • Laocoön und seine Söhne ; frühes erstes Jahrhundert v. Marmor; Höhe: 2,4 m; Vatikanische Museen ( Vatikanstadt )

  • Mosaik, das die Offenbarung des Dionysos darstellt ; 2. Jahrhundert n. Chr.; aus der Villa des Dionysos ( Dion, Griechenland ); Archäologisches Museum von Dion

  • Abbildungen von Beispielen antiker griechischer Ornamente und Muster, gezeichnet 1874

Roman [ bearbeiten ]

Die römische Kunst wurde von Griechenland beeinflusst und kann teilweise als Nachkomme der antiken griechischen Malerei und Skulptur angesehen werden, wurde aber auch stark von der eher lokalen etruskischen Kunst Italiens beeinflusst. Die römische Skulptur ist in erster Linie eine Porträtmalerei der Oberschicht der Gesellschaft sowie eine Darstellung der Götter. Die römische Malerei weist jedoch wichtige einzigartige Merkmale auf. Unter den erhaltenen römischen Gemälden befinden sich Wandgemälde, viele davon aus Villen in Kampanien , in Süditalien, insbesondere in Pompeji und Herculaneum . Eine solche Malerei kann in vier Haupt- "Stile" oder Perioden eingeteilt werden [26] und kann die ersten Beispiele für Trompe-l'œil enthalten, Pseudoperspektive und reine Landschaft. [27]

Fast alle erhaltenen gemalten Porträts aus der Antike sind eine große Anzahl von Sargporträts in Büstenform, die auf dem spätantiken Friedhof von Al-Fayum gefunden wurden . Sie geben eine Vorstellung von der Qualität, die das schönste antike Werk gehabt haben muss. Eine sehr kleine Anzahl von Miniaturen aus spätantiken illustrierten Büchern ist ebenfalls erhalten, und eine größere Anzahl von Kopien davon aus dem frühen Mittelalter. Die frühchristliche Kunst entstand aus der römischen populären und später der kaiserlichen Kunst und adaptierte ihre Ikonographie aus diesen Quellen.

  • Bronzestatuette eines Philosophen auf einem Lampenständer; Ende des 1. Jahrhunderts v. Bronze; Gesamt: 27,3 cm; Gewicht: 2,9 kg; Metropolitan Museum of Art (New York)

  • Augustus von Prima Porta ; ca. 20 v. Chr .; weißer Marmor ; Höhe: 2,06 m; Vatikanische Museen ( Vatikanstadt )

  • Restaurierung eines Freskos aus einem alten Villenschlafzimmer; 50-40 v. Chr .; Abmessungen des Raumes: 265,4 x 334 x 583,9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York)

  • Altar mit Girlanden ; circa 50 n. Chr .; Marmor; Höhe: 99,5 cm, Breite: 61,5 cm, Tiefe: 47 cm; Louvre

  • Calyx - Krater mit Reliefs von Mädchen und Tanz Mänaden; 1. Jahrhundert n. Chr.; Pentelic Marmor ; Höhe: 80,7 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Panoramablick auf das Pantheon (Rom), erbaut zwischen 113 und 125

  • Kopf einer Göttin, die ein Diadem trägt; 1. - 2. Jahrhundert; Marmor; Höhe: 23 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Couch und Fußschemel; 1. - 2. Jahrhundert n. Chr .; Holz, Knochen und Glas; Couch: 105,4 × 76,2 × 214,6 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Sarkophag mit Apollo , Minerva und den Musen ; circa 200 n. Chr .; von der Via Appia ; Antikensammlung Berlin (Berlin)

  • Sarkophag mit Girlanden ; 200–225; Marmor; 134,6 x 223,5 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Triumph des Neptun auf einem Streitwagen, der von zwei Seepferdchen gezogen wird; Mitte des 3. Jahrhunderts; Archäologisches Museum Sousse (Tunesien)

  • Das Theseus-Mosaik ; 300-400 n. Chr .; Marmor- und Kalksteinkiesel; 4,1 x 4,2 m; Kunsthistorisches Museum ( Wien , Österreich)

Mittelalter [ Bearbeiten ]

Die meiste überlebende Kunst aus dem Mittelalter war religiös ausgerichtet und wurde oft von der Kirche , mächtigen kirchlichen Individuen wie Bischöfen , kommunalen Gruppen wie Abteien oder wohlhabenden weltlichen Gönnern finanziert . Viele hatten spezifische liturgische Funktionen-Prozessionskreuze und Retabel , zum Beispiel.

Eine der zentralen Fragen der mittelalterlichen Kunst betrifft den Mangel an Realismus. Mit dem Fall Roms ging viel Wissen über die Perspektive in der Kunst und das Verständnis der menschlichen Figur verloren . Der Realismus war jedoch nicht das Hauptanliegen mittelalterlicher Künstler. Sie versuchten lediglich, eine religiöse Botschaft zu senden, eine Aufgabe, die klare ikonische Bilder anstelle präzise gerenderter Bilder erfordert.

Zeitraum : 6. bis 15. Jahrhundert

Frühmittelalterliche Kunst [ edit ]

Kunst aus der Migrationszeit ist ein allgemeiner Begriff für die Kunst der "barbarischen" Völker, die in ehemals römische Gebiete gezogen sind. Die keltische Kunst im 7. und 8. Jahrhundert verschmolz mit den germanischen Traditionen durch den Kontakt mit den Angelsachsen und schuf den sogenannten hibernosächsischen Stil oder die Inselkunst , die den Rest des Mittelalters stark beeinflussen sollte. Die merowingische Kunst beschreibt die Kunst der Franken vor etwa 800, als die karolingische Kunst Inseleinflüsse mit einer selbstbewussten klassischen Wiederbelebung verband und sich zur ottonischen Kunst entwickelte . Angelsächsische Kunst ist die Kunst Englands nach der Inselzeit.Beleuchtete Manuskripte enthalten fast alle erhaltenen Gemälde dieser Zeit, aber auch Architektur, Metallarbeiten und kleine geschnitzte Arbeiten aus Holz oder Elfenbein waren wichtige Medien.

  • Schnalle von Sutton Hoo ; 580–620; Gold und Niello; Länge: 13,1 cm; Britisches Museum (London)

  • Der Helm von Sutton Hoo ; frühes 7. Jahrhundert n. Chr .; Kupferlegierung, Eisen, Gold und Granat ; Höhe: 31,8 cm; Britisches Museum

  • Schulterverschlüsse von Sutton Hoo ; frühes 7. Jahrhundert; Gold, Glas & Granat ; Länge: 12,7 cm; Britisches Museum

  • Der Incipit zu Matthew aus dem Buch Lindisfarne ; Ende des 7. Jahrhunderts; Tinte und Pigmente auf Pergament; 34 x 25 cm; Britische Bibliothek (London)

Byzantinisch [ Bearbeiten ]

Die byzantinische Kunst überschneidet sich mit der so genannten frühchristlichen Kunst oder verschmilzt mit dieser bis zur Bildersturmzeit von 730-843, als die überwiegende Mehrheit der Kunstwerke mit Figuren zerstört wurde. Es bleibt so wenig übrig, dass heute jede Entdeckung neues Verständnis bringt. Nach 843 bis 1453 gibt es eine klare byzantinische Kunsttradition. Es ist oft die beste Kunst des Mittelalters in Bezug auf Materialqualität und Verarbeitung, wobei die Produktion auf Konstantinopel ausgerichtet ist. Die Krönung der byzantinischen Kunst waren die monumentalen Fresken und Mosaike in Kuppelkirchen, von denen die meisten aufgrund von Naturkatastrophen und der Aneignung von Kirchen für Moscheen nicht erhalten geblieben sind.

  • Platte mit einem Relief, das die Geburt Jesu darstellt ; 4.-frühes 5. Jahrhundert; Marmor; Byzantinisches und Christliches Museum ( Athen )

  • Apsis der Kirche Santa Maria Maggiore in Rom , im 5. Jahrhundert mit diesem glamourösen Mosaik verziert

  • Mosaike an einer Decke und einigen Wänden der Basilika San Vitale in Ravenna (Italien), um 547 n. Chr

  • Die kleine Metropole in Athen wurde zwischen dem 9. und 13. Jahrhundert an unbekannten Daten erbaut

  • Miniatur; 10.-11. Jahrhundert; Jaspis , Almandin , Smaragd und Chrysopras ; von Konstantinopol ; Moskauer Kremlmuseen (Russland)

  • Lektionar des Evangeliums; um 1100; Tempera, Gold und Tinte auf Pergament und Ledereinband; Gesamt: 36,8 x 29,6 x 12,4 cm, Folio: 35 x 26,2 cm; Metropolitan Museum of Art (New York)

  • Ikone der neutestamentlichen Dreifaltigkeit; um 1450; Tempera und Gold auf Holzplatte (Pappel); Cleveland Kunstmuseum ( Cleveland , Ohio , USA)

  • Seite eines armenisch beleuchteten Manuskripts ; 1637–1638; Temperafarben, Goldfarbe und Blattgold auf Pergament; Höhe: 25,2 cm; Getty Center (Los Angeles)

Romanik [ Bearbeiten ]

Die romanische Kunst bezieht sich auf die Zeit von etwa 1000 bis zum Aufstieg der gotischen Kunst im 12. Jahrhundert. Dies war eine Zeit zunehmenden Wohlstands und die erste, in der ein kohärenter Stil in ganz Europa von Skandinavien bis zur Schweiz verwendet wurde. Die romanische Kunst ist kräftig und direkt, war ursprünglich hell gefärbt und oft sehr raffiniert. Glasmalerei und Emaille auf Metallarbeiten wurden zu wichtigen Medien, und größere Skulpturen in der Runde entwickelten sich, obwohl Hochrelief die Haupttechnik war. Seine Architektur wird von dicken Mauern und runden Fenstern und Bögen mit viel geschnitzter Dekoration dominiert.

  • Abtei Maria Laach (in der Nähe von Andernach ), eine der bekanntesten romanischen Kirchen

  • Steinflachrelief Jesu aus der Abtei von Vézelay ( Burgund , Frankreich)

  • Miniatur des Heiligen Johannes des Evangelisten ; vor 1147; Beleuchtung auf Pergament; 35,5 cm; Avesnes-sur-Helpe (Frankreich)

  • Die Steinigung des Heiligen Stephanus; 1160er Jahre; Fresko; Höhe: 1,3 m; Abtei Saint John ( Val Müstair , Kanton Graubünden , Schweiz)

Gothic [ Bearbeiten ]

Gotische Kunst ist ein variabler Begriff, der von Handwerk, Ort und Zeit abhängt. Der Begriff entstand 1140 in der gotischen Architektur, aber die gotische Malerei erschien erst um 1200 (dieses Datum hat viele Qualifikationen), als sie vom romanischen Stil abwich. Die gotische Skulptur wurde 1144 in Frankreich mit der Renovierung der Abteikirche S. Denis geboren und verbreitete sich in ganz Europa. Bis zum 13. Jahrhundert war sie zum internationalen Stil geworden und ersetzte die Romanik. Die internationale Gotik beschreibt die gotische Kunst von etwa 1360 bis 1430, wonach die gotische Kunst zu verschiedenen Zeiten an verschiedenen Orten in die Kunst der Renaissance übergeht. Während dieser Zeit werden Formen wie Malerei im Fresko und auf Tafel neu wichtig, und das Ende der Periode umfasst neue Medien wie Drucke.

  • Teil des königlichen Portals; 1145–1155; Kalkstein; Kathedrale von Chartres ( Chartres , Frankreich)

  • Nord Querschiff Fenster; circa 1230–1235; Glasmalerei; Durchmesser (Rosettenfenster): 10,2 m; Kathedrale von Chartres

  • Szenen aus der Legende des Heiligen Vincent von Saragossa; 1245–1247; Topfmetallglas, Glasfarbe und Blei; Gesamt: 373,4 x 110,5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York)

  • Französisches Diptychon mit der Krönung der Jungfrau und dem Jüngsten Gericht; 1260–1270; Elefantenelfenbein mit Metallbeschlägen; Gesamt: 12,7 x 13 x 1,9 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Inthronisierte Jungfrau und Kind; 1260–1280; Elefantenelfenbein mit Farb- und Vergoldungsspuren; Gesamt: 18,4 x 7,6 x 7,3 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Bifolium mit den Dekretalen von Gratian ; um 1290; Tempera und Gold auf Pergament, braune Tinte und moderne Lederbindung; Gesamt: 48,3 x 29,2 x 1,3 cm, geöffnet: 47,2 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Deutsches Diptychon mit religiösen Szenen; 1300–1325; Silber vergoldet mit durchscheinenden und undurchsichtigen Emails; Gesamt (geöffnet): 6,1 x 8,6 x 0,8 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Seite von Très Riches Heures du Duc de Berry zeigt die Beerdigung von Raymond Diocrès; 1411-1416 und 1485–1486; Tempera auf Pergament ; Höhe: 29 cm, Breite: 21 cm; Condé Museum ( Chantilly, Frankreich )

  • Die Dame und das Einhorn , der Titel einer Reihe von sechsin Flandern gewebten Wandteppichen , von denen dieser À Mon Seul Désir heißt ; Ende des 15. Jahrhunderts; Wolle und Seide; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (Paris)

  • Österreichische Statue der thronenden Jungfrau; 1490–1500; Kalkstein mit Gips , bemalt und vergoldet; 80,3 x 59,1 x 23,5 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Eingang in Jerusalem ; um 1500; Malerei; Museum der Schönen Künste von Lyon ( Lyon , Frankreich)

  • Extravagante gotische Kreuzfenster des Hôtel de Sens (Paris)

Renaissance [ Bearbeiten ]

Leonardo da Vinci ‚s Vitruvian Man ( Uomo Vitruviano ) (c. 1490), eine bahnbrechende Arbeit aus der Renaissance. Die Zeichnung ist inspiriert und später nach dem römischen Architekten Vitruvius aus dem 1. Jahrhundert v. Chr. Und seinen Vorstellungen über die "idealen" Proportionen des menschlichen Körpers benannt , die in seiner De Architectura zu finden sind . [28] [29] Die Zeichnung unterstreicht die Faszination der Bewegung mit griechisch-römischen Kultur und Aneignung der klassischen Kunst sowie sein Streben für die Korrelation zwischen Körperstruktur und der Natur. [29]

Die Renaissance zeichnet sich durch einen Fokus auf die Künste des antiken Griechenlands und Roms aus , was zu vielen Veränderungen sowohl in den technischen Aspekten der Malerei und Skulptur als auch in ihren Themen führte. Es begann in Italien , einem Land, das reich an römischem Erbe und materiellem Wohlstand ist, um Künstler zu finanzieren. Während der Renaissance begannen die Maler, den Realismus ihrer Arbeit durch den Einsatz neuer Techniken in der Perspektive zu verbessern und so drei Dimensionen authentischer darzustellen . Die Künstler begannen auch, neue Techniken bei der Manipulation von Licht und Dunkelheit einzusetzen, wie den Tonkontrast, der in vielen Porträts von Tizian erkennbar ist, und die Entwicklung von Sfumatound Helldunkel von Leonardo da Vinci . Auch Bildhauer begannen, viele alte Techniken wie Contrapposto wiederzuentdecken . In Anlehnung an den humanistischen Zeitgeist wurde die Kunst inhaltlich weltlicher und zeigte neben christlichen Themen auch die antike Mythologie . Dieses Kunstgenre wird oft als Renaissance-Klassizismus bezeichnet . Im Norden war die wichtigste Innovation der Renaissance die weit verbreitete Verwendung von Ölfarben , die eine größere Farbe und Intensität ermöglichten.

Von der Gotik bis zur Renaissance [ Bearbeiten ]

Während des späten 13. Jahrhunderts und Anfang des 14. Jahrhunderts, ein großer Teil der Malerei in Italien war byzantinischen Charakter, vor allem , dass von Duccio von Siena und Cimabue von Florenz, während Pietro Cavallini in Rom mehr war gotischen Stil. Im 13. Jahrhundert ließen sich italienische Bildhauer nicht nur von mittelalterlichen Prototypen, sondern auch von antiken Werken inspirieren. [30]

Im Jahr 1290 begann Giotto auf eine Weise zu malen, die weniger traditionell war und mehr auf der Beobachtung der Natur beruhte. Sein berühmter Zyklus in der Scrovegni-Kapelle in Padua gilt als Beginn eines Renaissance-Stils .

Andere Maler des 14. Jahrhunderts trugen den gotischen Stil bis ins kleinste Detail. Bemerkenswert unter diesen Malern sind Simone Martini und Gentile da Fabriano .

In den Niederlanden führte die Technik des Malens in Öl statt in Tempera zu einer Form der Ausarbeitung, die nicht von der Anwendung von Blattgold und Prägung abhing, sondern von der winzigen Darstellung der natürlichen Welt. Zu dieser Zeit entwickelte sich die Kunst, Texturen mit großem Realismus zu malen. Niederländische Maler wie Jan van Eyck und Hugo van der Goes sollten großen Einfluss auf die Malerei der Spätgotik und der Frührenaissance haben.

Frühe Renaissance [ Bearbeiten ]

Die Ideen der Renaissance tauchten erstmals in dem Stadtstaat von Florenz , Italien . Der Bildhauer Donatello kehrte zu klassischen Techniken wie Contrapposto und klassischen Themen wie dem nicht unterstützten Akt zurück - seine zweite David- Skulptur war der erste freistehende Bronze-Akt, der seit dem Römischen Reich in Europa geschaffen wurde. Der Bildhauer und Architekt Brunelleschi ließ sich von den architektonischen Ideen antiker römischer Gebäude inspirieren. Masaccio perfektionierte Elemente wie Komposition, individuellen Ausdruck und menschliche Form, um Fresken, insbesondere in der Brancacci-Kapelle , von überraschender Eleganz, Dramatik und Emotion zu malen .

Eine bemerkenswerte Anzahl dieser bedeutenden Künstler arbeitete an verschiedenen Teilen der Kathedrale von Florenz . Brunelleschis Kuppel für die Kathedrale war eine der ersten wirklich revolutionären architektonischen Innovationen seit dem gotischen Strebepfeiler. Donatello schuf viele seiner Skulpturen. Giotto und Lorenzo Ghiberti trugen ebenfalls zur Kathedrale bei.

  • Kanzel; von Nicola Pisano ; 1265–1268; Marmor; Höhe: 4,6 m; Baptisterium von Pisa (Italien) [31]

  • Kruzifix ; von Cimabue ; circa 1285; Tempera auf Holz; 4,29 x 3,83 m; San Domenico ( Arezzo , Italien) [32]

  • Kruzifix; Giotto ; um 1300; Tempera auf Holz; 5,78 x 4,06 m; Santa Maria Novella ( Florenz , Italien) [33]

  • Das Maestà-Altarbild ; von Duccio ; 1308–1311; Tempera auf Holz; 2,46 x 4,67 m; Museo dell'Opera del Duomo ( Siena , Italien)

Hochrenaissance [ Bearbeiten ]

Zu den Künstlern der Hochrenaissance zählen Persönlichkeiten wie Leonardo da Vinci , Michelangelo Buonarroti und Raffaello Sanzio .

Die künstlerischen Entwicklungen des 15. Jahrhunderts in Italien (zum Beispiel das Interesse an Perspektivsystemen, an der Darstellung der Anatomie und an klassischen Kulturen) reiften im 16. Jahrhundert unter Berücksichtigung der Bezeichnungen "Frührenaissance" für das 15. Jahrhundert und "Hochrenaissance". für das 16. Jahrhundert. Obwohl kein einzigartiger Stil die Hochrenaissance kennzeichnet, zeigt die Kunst derjenigen, die mit dieser Zeit am engsten verbunden sind - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo und Tizian - eine erstaunliche technische und ästhetische Meisterschaft. Künstler der Hochrenaissance schufen Werke von solcher Autorität, dass sich Generationen späterer Künstler auf diese Kunstwerke stützten, um sie zu unterrichten. Diese beispielhaften künstlerischen Kreationen haben das Ansehen der Künstler weiter erhöht. Künstler könnten göttliche Inspiration beanspruchen, Dadurch wird die bildende Kunst zu einem Status erhoben, der früher nur der Poesie zukommt. So kamen Maler, Bildhauer und Architekten auf ihre Kosten und beanspruchten für ihre Arbeit erfolgreich eine hohe Position unter den bildenden Künsten. In gewisser Weise schufen die Meister des 16. Jahrhunderts einen neuen Beruf mit eigenen Meinungsrechten und ihrem eigenen ehrwürdigen Charakter.

  • Das Tempietto (gegen 1502–1510) in einem engen Innenhof des San Pietro in Montorio von Rom

  • David ; von Michelangelo ; 1501–1504; Marmor; 517 cm × 199 cm; Galleria dell'Accademia (Florenz)

  • Mona Lisa ; von Leonardo da Vinci ; c. 1503–1506, vielleicht bis c. 1517; Öl auf Pappelplatte; 77 cm × 53 cm; Louvre

  • Die Schule von Athen ; von Raphael ; 1509–1510; Fresko; 5,8 x 8,2 m; Apostolischer Palast ( Vatikanstadt )

Northern Kunst bis zur Renaissance [ Bearbeiten ]

Die frühe niederländische Malerei entwickelte (aber erfand sie nicht strikt) die Technik der Ölmalerei, um eine bessere Kontrolle der kleinsten Details mit Realismus zu ermöglichen - Jan van Eyck  (1366–1441) war eine Figur in der Bewegung von beleuchteten Manuskripten zu Tafelbildern .

Hieronymus Bosch (1450? –1516), ein niederländischer Maler, ist eine weitere wichtige Figur in der nördlichen Renaissance . In seinen Gemälden verwendete er religiöse Themen, kombinierte sie jedoch mit grotesken Fantasien, farbenfrohen Bildern und bäuerlichen Volkslegenden. Seine Bilder spiegeln oft die Verwirrung und Angst wider, die mit dem Ende des Mittelalters verbunden sind.

Albrecht Dürer führte Ende des 15. Jahrhunderts den italienischen Renaissancestil in Deutschland ein und dominierte die deutsche Renaissancekunst .

Zeitraum :

  • Italienische Renaissance: Ende des 14. bis Anfang des 16. Jahrhunderts
  • Nördliche Renaissance: 16. Jahrhundert
  • Das Gent-Altarbild ; von Jan und Hubert van Eyck ; 1432; Öl auf Eichenholz; 3,4 m × 4,6 m (geöffnet wie in diesem Bild); St. Bavo Kathedrale ( Gent , Belgien )

  • Das Arnolfini-Porträt ; von Jan van Eyck ; 1434; Öl auf der Verkleidung; 82,2 x 60 cm; Nationalgalerie (London)

  • Der Abstieg vom Kreuz ; von Rogier van der Weyden ; circa 1442; Öl auf Eichenholzplatte; 220 × 262 cm; Museo del Prado ( Madrid , Spanien)

  • Der Garten der irdischen Freuden ; von Hieronymus Bosch ; c. 1504; Öl auf der Verkleidung; 2,2 × 1,95 m - die Mittelplatte; Museo del Prado

  • Das Nashorn ; von Albrecht Dürer ; 1515; Holzschnitt; 23,5 cm × 29,8 cm; National Gallery of Art ( Washington, DC )

  • Die Botschafter ; von Hans Holbein dem Jüngeren ; 1533; Öl auf der Verkleidung; 2,07 × 2,09; Nationalgalerie (London)

  • Die Parade-Rüstung Heinrichs II. Von Frankreich ; von Étienne Delaune ; circa 1555; ziselierter Stahl; Größe: 187,96 cm, Gewicht: 24,2 kg; Metropolitan Museum of Art (New York)

  • Der Turm von Babel ; von Pieter Bruegel the Elder ; 1563; Öl auf Holz: 1,14 × 1,55 cm; Kunsthistorisches Museum ( Wien , Österreich)

Manierismus, Barock und Rokoko [ Bearbeiten ]

Unterschiede zwischen Barock- und Rokokokunst
Die Rokokokunst war geprägt von leichteren, oft scherzhaften Themen; Zu den gemeinsamen Merkmalen gehörten blasse, cremige Farben, floride Dekorationen und eine Vorliebe für bukolische Landschaften. Gemälde waren kunstvoller als ihr barockes Gegenstück und normalerweise anmutig, verspielt und unbeschwert in der Natur.

In der europäischen Kunst brachte der Renaissance-Klassizismus zwei verschiedene Bewegungen hervor - den Manierismus und den Barock . Der Manierismus, eine Reaktion gegen die idealistische Perfektion des Klassizismus, verwendete eine Verzerrung des Lichts und der räumlichen Rahmenbedingungen, um den emotionalen Inhalt eines Gemäldes und die Emotionen des Malers hervorzuheben. Das Werk von El Greco ist ein besonders anschauliches Beispiel für Manierismus in der Malerei im späten 16. und frühen 17. Jahrhundert. Nordischer ManierismusDie Entwicklung dauerte länger und war größtenteils eine Bewegung der letzten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Die Barockkunst brachte den Repräsentationalismus der Renaissance auf ein neues Niveau und betonte auf ihrer Suche nach Schönheit Details, Bewegung, Beleuchtung und Drama. Die vielleicht bekanntesten Barockmaler sind Caravaggio , Rembrandt , Peter Paul Rubens und Diego Velázquez .

Eine etwas andere Kunst entwickelte sich aus den realistischen Traditionen des Nordens in der niederländischen Malerei des Goldenen Zeitalters des 17. Jahrhunderts , die nur sehr wenig religiöse Kunst und wenig historische Malerei enthielt und stattdessen eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung weltlicher Genres wie Stillleben und Genrebilder alltäglicher Szenen spielte und Landschaftsmalerei . Während der barocke Charakter von Rembrandts Kunst klar ist, wird das Label für Vermeer und viele andere niederländische Künstler weniger verwendet . Die flämische Barockmalerei war an diesem Trend beteiligt und produzierte weiterhin die traditionellen Kategorien.

Die Barockkunst wird oft als Teil der Gegenreformation gesehen - dem künstlerischen Element der Wiederbelebung des geistlichen Lebens in der römisch-katholischen Kirche . Darüber hinaus wird die Betonung, die die Barockkunst auf Größe legte, als absolutistisch in der Natur angesehen. Religiöse und politische Themen wurden im barocken künstlerischen Kontext umfassend untersucht, und sowohl Gemälde als auch Skulpturen zeichneten sich durch ein starkes Element von Drama, Emotion und Theatralik aus. Berühmte Barockkünstler sind Caravaggio oder Rubens . [34] Artemisia Gentileschiwar ein weiterer bemerkenswerter Künstler, der sich von Caravaggios Stil inspirieren ließ. Die Barockkunst war in der Natur besonders reich verziert und kunstvoll und verwendete oft satte, warme Farben mit dunklen Untertönen. Pomp und Größe waren wichtige Elemente der barocken künstlerischen Bewegung im Allgemeinen, wie man sehen kann, wenn Ludwig XIV. Sagte: "Ich bin inkarnierte Größe"; Viele Barockkünstler dienten Königen, die versuchten, dieses Ziel zu erreichen. Die Barockkunst ähnelte in vielerlei Hinsicht der Kunst der Renaissance. Tatsächlich wurde der Begriff ursprünglich abfällig verwendet, um Kunst und Architektur nach der Renaissance zu beschreiben, die überaus aufwändig waren. [34] Die Barockkunst kann als eine aufwändigere und dramatischere Neuanpassung der Kunst der Spätrenaissance angesehen werden.

Im 18. Jahrhundert geriet die Barockkunst jedoch aus der Mode, da sie von vielen als zu melodramatisch und auch düster angesehen wurde, und entwickelte sich zum Rokoko , das in Frankreich entstand. Die Rokokokunst war noch aufwändiger als der Barock, aber weniger ernst und spielerischer. [35] Während der Barock kräftige, kräftige Farben verwendete, verwendete das Rokoko blasse, cremigere Farbtöne. Die künstlerische Bewegung legte keinen Schwerpunkt mehr auf Politik und Religion, sondern auf leichtere Themen wie Romantik, Feier und Wertschätzung der Natur. Die Rokokokunst kontrastierte auch den Barock, da sie häufig die Symmetrie zugunsten asymmetrischer Designs verweigerte. Darüber hinaus suchte es Inspiration von den künstlerischen Formen und Ornamenten Fernostasiens , was zu einem Anstieg zugunsten von führtePorzellanfiguren und Chinoiserie im Allgemeinen. [36] Der Stil des 18. Jahrhunderts blühte für kurze Zeit; Dennoch geriet der Rokoko-Stil bald in Ungnade und wurde von vielen als eine knallige und oberflächliche Bewegung angesehen, die Ästhetik über Bedeutung betont. Der Neoklassizismus entwickelte sich in vielerlei Hinsicht als Gegenbewegung des Rokoko, wobei der Anstoß ein Gefühl des Ekels war, das auf dessen floride Eigenschaften gerichtet war.

Manierismus (16. Jahrhundert) [ Bearbeiten ]

  • Grablegung ; von Jacopo da Pontormo ; 1525–1528; Öl auf der Verkleidung; 3,12 x 1,9 m; Santa Felicita ( Florenz , Italien)

  • Madonna mit dem langen Hals ; von Parmigianino ; 1534–1540; Öl auf der Verkleidung; 2,19 x 1,32 m; Uffizien Galerie (Florenz)

  • Venus, Amor, Torheit und Zeit ; von Bronzino ; Mitte der 1540er Jahre; Öl auf der Verkleidung; 1,46 x 1,16 m; Nationalgalerie (London)

  • Sommer ; von Giuseppe Arcimboldo ; 1563; Öl auf der Verkleidung; 67 x 50,8 cm; Kunsthistorisches Museum ( Wien , Österreich)

Barock (frühes 17. Jahrhundert bis Mitte des frühen 18. Jahrhunderts) [ Bearbeiten ]

  • Die vier Kontinente ; von Peter Paul Rubens ; um 1615; Öl auf Leinwand; 209 x 284 cm; Kunsthistorisches Museum ( Wien , Österreich)

  • Niederländische Garderobe; 1625–1650; Eiche mit Ebenholz- und Palisanderfurnieren; Gesamt: 244,5 x 224,3 x 85,2 cm; Cleveland Kunstmuseum ( Cleveland , Ohio , USA)

  • Die Nachtwache ; von Rembrandt ; 1642; Öl auf Leinwand; 363 × 437 cm; Rijksmuseum ( Amsterdam , Niederlande )

  • Die Ekstase der Heiligen Teresa ; von Gian Lorenzo Bernini ; 1647–1652; Marmor; Höhe: 3,5 m; Santa Maria della Vittoria (Rom)

  • Las Meninas ; von Diego Velázquez ; 1656–1657; Öl auf Leinwand; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado ( Madrid , Spanien)

  • Der Eingang des Schlosses von Versailles ( Versailles , Frankreich), das kultigsten Barockgebäude

  • Die Büste Ludwigs XIV .; von Gian Lorenzo Bernini; 1665; Marmor; 105 × 99 × 46 cm; Schloss von Versailles

  • Die Kunst des Malens ; von Johannes Vermeer ; 1666-1668; Öl auf Leinwand; 1,3 x 1,1 m; Kunsthistorisches Museum

  • Teppich mit Ruhm und Standhaftigkeit; 1668-1685; geknoteter und geschnittener Wollflor, gewebt mit etwa 90 Knoten pro Quadratzoll; 909,3 x 459,7 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Kuppel der Kirche des Gesù (Rom), 1674 von Giovanni Battista Gaulli angefertigt

  • Das Porträt von Ludwig XIV .; von Hyacinthe Rigaud ; 1701; Öl auf Leinwand; 277 × 194 cm; Louvre

  • Die Karlskirche in Wien (Österreich), erbaut zwischen 1716 und 1737

Rokoko (Anfang bis Mitte des 18. Jahrhunderts) [ Bearbeiten ]

  • Das chinesische Haus , ein Chinoiserie-Gartenpavillon im Sanssouci-Park , aus Potsdam (Deutschland)

  • Das erstaunliche Innere der Abtei Wilhering ( Wilhering , Österreich ). Dieses Interieur hat einen Trompe-l'œil an der Decke, umgeben von hochdekorierten Stuckarbeiten

  • Boiserie vom Hôtel de Varengeville; circa 1736-1752; verschiedene Materialien, einschließlich geschnitzte, bemalte und vergoldete Eiche; Höhe: 5,58 m, Breite: 7,07 m, Länge: 12,36 m; im Metropolitan Museum of Art (New York City)

  • Titeldruck; von Juste Meissonnier ; 1738-1749; Radierung auf Papier; 51,6 x 34,9 cm; Rijksmuseum

  • Paar Kandelaber; 18. Jahrhundert; weichporiges Porzellan; Höhen (die linke): 26,8 cm (die rechte): 26,4 cm; von der Porzellanfabrik Chelsea ; Metropolitan Museum of Art

  • Herr und Frau Andrews ; von Thomas Gainsborough ; um 1750; Öl auf Leinwand; 69,8 x 119,4 cm; Nationalgalerie (London)

  • Madame de Pompadour ; von François Boucher ; 1756; Öl auf Leinwand; 2,01 x 1,57 m; Alte Pinakothek ( München , Deutschland)

  • Die Schaukel ; von Jean-Honoré Fragonard ; 1767–1768; Öl auf Leinwand; Höhe: 81 cm, Breite: 64 cm; Wallace Collection (London)

Neoklassizismus, Romantik, Akademismus und Realismus [ Bearbeiten ]

Die neoklassizistische Kunst, inspiriert von verschiedenen klassischen Themen, zeichnete sich durch eine Betonung auf Einfachheit, Ordnung und Idealismus aus. Im Bild Antonio Canova ‚s Psyche wieder belebt durch Amors Kuss (1787-1793)

Während des gesamten 18. Jahrhunderts entstand in verschiedenen Teilen Europas eine Gegenbewegung gegen das Rokoko, die allgemein als Neoklassizismus bekannt ist . Sie verachtete die wahrgenommene Oberflächlichkeit und Leichtfertigkeit der Rokokokunst und wünschte sich eine Rückkehr zur Einfachheit, Ordnung und zum Purismus der klassischen Antike, insbesondere des antiken Griechenlands und Roms. Die Bewegung wurde zum Teil auch von der Renaissance beeinflusst, die selbst stark von der klassischen Kunst beeinflusst war. Der Neoklassizismus war die künstlerische Komponente der intellektuellen Bewegung, die als Aufklärung bekannt ist . Die Aufklärung war idealistisch und legte ihren Schwerpunkt auf Objektivität, Vernunft und empirische Wahrheit. Der Neoklassizismus war in Europa im 18. Jahrhundert weit verbreitet, insbesondere im Vereinigten Königreichin dieser Zeit entstanden große Werke neoklassizistischer Architektur; Die Faszination des Neoklassizismus für die klassische Antike zeigt sich in der Popularität der Grand Tour in diesem Jahrzehnt, in dem wohlhabende Aristokraten zu den antiken Ruinen Italiens und Griechenlands reisten. Dennoch kam während der Französischen Revolution im späten 18. Jahrhundert ein entscheidender Moment für den Neoklassizismus ; In Frankreich wurde die Rokokokunst durch die bevorzugte neoklassizistische Kunst ersetzt, die als ernster angesehen wurde als die frühere Bewegung. In vielerlei Hinsicht kann der Neoklassizismus sowohl als politische als auch als künstlerische und kulturelle Bewegung angesehen werden. [37]Die neoklassische Kunst legt Wert auf Ordnung, Symmetrie und klassische Einfachheit. Gemeinsame Themen in der neoklassischen Kunst sind Mut und Krieg, wie sie in der antiken griechischen und römischen Kunst häufig untersucht wurden. Ingres , Canova und Jacques-Louis David gehören zu den bekanntesten Neoklassikern. [38]

Eugène Delacroix , Freiheit, die das Volk führt 1830, Romantische Kunst .

So wie der Manierismus den Klassizismus ablehnte, lehnte auch die Romantik die Ideen der Aufklärung und die Ästhetik der Neoklassiker ab. Die Romantik lehnte die höchst objektive und geordnete Natur des Neoklassizismus ab und entschied sich für eine individuellere und emotionalere Herangehensweise an die Kunst. [39] Die Romantik legte einen Schwerpunkt auf die Natur, insbesondere wenn es darum ging, die Kraft und Schönheit der natürlichen Welt und ihre Emotionen darzustellen, und suchte nach einer höchst persönlichen Herangehensweise an die Kunst. In der romantischen Kunst ging es um individuelle Gefühle, nicht um gemeinsame Themen wie im Neoklassizismus. Auf diese Weise verwendete die romantische Kunst oft Farben, um Gefühle und Emotionen auszudrücken. [39]Ähnlich wie im Neoklassizismus ließ sich die romantische Kunst weitgehend von der antiken griechischen und römischen Kunst und Mythologie inspirieren. Im Gegensatz zum Neoklassizismus wurde diese Inspiration jedoch hauptsächlich als Mittel zur Schaffung von Symbolik und Bildsprache verwendet. Die romantische Kunst bezieht einen Großteil ihrer ästhetischen Qualitäten aus dem Mittelalter und der Gotik sowie aus der Mythologie und Folklore . Zu den größten romantischen Künstlern gehörten Eugène Delacroix , Francisco Goya , JMW Turner , John Constable , Caspar David Friedrich , Thomas Cole und William Blake . [38]

Die meisten Künstler versuchten, einen zentristischen Ansatz zu verfolgen, der verschiedene Merkmale neoklassizistischer und romantischer Stile übernahm, um sie zu synthetisieren. Die verschiedenen Versuche fanden innerhalb der französischen Akademie statt und werden zusammen als akademische Kunst bezeichnet . Adolphe William Bouguereau gilt als Hauptbeispiel für diesen Kunststrom.

Im frühen 19. Jahrhundert wurde das Gesicht Europas jedoch durch die Industrialisierung radikal verändert . Armut, Elend und Verzweiflung sollten das Schicksal der neuen Arbeiterklasse sein, die durch die "Revolution" geschaffen wurde. Als Reaktion auf diese Veränderungen in der Gesellschaft entstand die Bewegung des Realismus . Der Realismus versuchte, die Bedingungen und Nöte der Armen in der Hoffnung auf eine Veränderung der Gesellschaft genau darzustellen. Im Gegensatz zur Romantik, die im Wesentlichen optimistisch gegenüber der Menschheit war, bot der Realismus eine klare Vision von Armut und Verzweiflung. Während die Romantik die Natur verherrlichte, stellte der Realismus das Leben in den Tiefen eines städtischen Ödlands dar. Der Realismus war wie die Romantik sowohl eine literarische als auch eine künstlerische Bewegung. Der großeZu den realistischen Malern zählen unter anderem Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Gustave Courbet , Jean-François Millet , Camille Corot , Honoré Daumier , Édouard Manet , Edgar Degas (beide als Impressionisten angesehen ) und Thomas Eakins .

Die Reaktion der Architektur auf die Industrialisierung bestand im krassen Gegensatz zu den anderen Künsten darin, sich dem Historismus zuzuwenden. Obwohl die in dieser Zeit errichteten Bahnhöfe oft als die wahrsten Reflexionen ihres Geistes angesehen werden - sie werden manchmal als "Kathedralen der Zeit" bezeichnet -, waren die Hauptbewegungen in der Architektur während des Industriezeitalters die Wiederbelebung von Stilen aus der fernen Vergangenheit, wie z die gotische Wiederbelebung . Verwandte Bewegungen waren die Präraffaeliten-Bruderschaft , die vor Raffael versuchte, die Kunst wieder in ihren Zustand der "Reinheit" zu versetzen , und die Kunst- und Handwerksbewegung , die gegen die Unpersönlichkeit von Massenware reagierte und eine Rückkehr zur mittelalterlichen Handwerkskunst befürwortete.

Zeitraum :

  • Neoklassizismus : Mitte des frühen 18. bis Anfang des 19. Jahrhunderts
  • Romantik : Ende des 18. bis Mitte des 19. Jahrhunderts
  • Realismus : 19. Jahrhundert

Moderne Kunst [ Bearbeiten ]

Der Impressionismus war bekannt für seine Verwendung von Licht und Bewegung in seinen Gemälden, wie in Claude Monets Houses of Parliament von 1902 , Sonnenuntergang

Kunst & Sprache sind bekannt für ihre wichtigen Beiträge zur Konzeptkunst.

Aus der naturalistischen Ethik des Realismus erwuchs eine große künstlerische Bewegung, der Impressionismus . Die Impressionisten waren Pioniere bei der Verwendung von Licht in der Malerei, als sie versuchten, Licht vom menschlichen Auge aus einzufangen. Edgar Degas , Édouard Manet , Claude Monet , Camille Pissarro und Pierre-Auguste Renoir waren alle an der impressionistischen Bewegung beteiligt. Als direktes Ergebnis des Impressionismus entwickelte sich der Postimpressionismus . Paul Cézanne , Vincent van Gogh , Paul Gauguin und Georges Seurat sind die bekanntesten Postimpressionisten.

Nach den Impressionisten und Postimpressionisten folgte der Fauvismus , der oft als das erste "moderne" Kunstgenre angesehen wurde. So wie die Impressionisten das Licht revolutionierten, überlegten auch die Fauvisten die Farbe und malten ihre Leinwände in hellen, wilden Farben. Nach den Fauvisten begann sich die moderne Kunst in all ihren Formen zu entwickeln, angefangen vom Expressionismus , der sich mit der Hervorrufung von Emotionen durch objektive Kunstwerke befasst, über den Kubismus , die Kunst, eine vierdimensionale Realität auf eine flache Leinwand zu übertragen, bis hin zur abstrakten Kunst. Diese neuen Kunstformen stießen an die Grenzen traditioneller Vorstellungen von "Kunst" und entsprachen den ähnlich schnellen Veränderungen, die in der menschlichen Gesellschaft, Technologie und im Denken stattfanden.

Der Surrealismus wird oft als eine Form der modernen Kunst klassifiziert. Die Surrealisten selbst haben jedoch Einwände gegen das Studium des Surrealismus als eine Ära in der Kunstgeschichte erhoben und behauptet, dass dies die Komplexität der Bewegung (die ihrer Meinung nach keine künstlerische Bewegung ist) zu stark vereinfacht, das Verhältnis von Surrealismus zu Ästhetik falsch darstellt und fälschlicherweise charakterisiert fortwährender Surrealismus als abgeschlossene, historisch verkapselte Ära. Andere Formen der modernen Kunst (von denen einige an zeitgenössische Kunst grenzen ) sind:

  • Abstrakter Expressionismus
  • Art Deco
  • Jugendstil
  • Bauhaus
  • Farbfeldmalerei
  • Konzeptkunst
  • Konstruktivismus
  • Kubismus
  • Dada
  • Der Blaue Reiter
  • De Stijl
  • Die Brücke
  • Körperkunst
  • Expressionismus
  • Fauvismus
  • Fluxus
  • Futurismus
  • Ereignis
  • Surrealismus
  • Lettrisme
  • Lyrische Abstraktion
  • Land Kunst
  • Minimalismus
  • Naive Kunst
  • Op art
  • Performancekunst
  • Fotorealismus
  • Pop-Art
  • Suprematismus
  • Videokunst
  • Vortizismus

Zeitraum :

  • Impressionismus: spätes 19. Jahrhundert
  • Andere: Erste Hälfte des 20. Jahrhunderts

Zeitgenössische Kunst und postmoderne Kunst [ Bearbeiten ]

Charles Thomson . Sir Nicholas Serota trifft eine Akquisitionsentscheidung , 2000, Stuckism .

Die moderne Kunst ließ verschiedene Merkmale dessen ahnen, was später als postmoderne Kunst definiert werden sollte. Tatsächlich können mehrere moderne Kunstbewegungen oft sowohl als modern als auch als postmodern eingestuft werden, beispielsweise als Pop-Art . Die postmoderne Kunst beispielsweise legt großen Wert auf Ironie, Parodie und Humor im Allgemeinen. Die moderne Kunst begann, eine ironischere Herangehensweise an die Kunst zu entwickeln, die später in einem postmodernen Kontext voranschreiten sollte. In der postmodernen Kunst verschwimmen die High- und Fine Arts mit der Low-End- und der kommerziellen Kunst. Die moderne Kunst begann mit dieser Unschärfe zu experimentieren. [39] Die jüngsten Entwicklungen in der Kunst waren durch eine signifikante Erweiterung dessen, was heute als Kunst angesehen werden kann, in Bezug auf Materialien, Medien, Aktivitäten und Konzepte gekennzeichnet. Konzeptkunstinsbesondere hat einen großen Einfluss gehabt. Dies begann buchstäblich als Ersatz des Konzepts für ein hergestelltes Objekt, dessen Absicht es war, die Vermarktung von Kunst zu widerlegen. Heutzutage bezieht es sich jedoch normalerweise auf ein Kunstwerk, in dem sich ein Objekt befindet, aber der Hauptanspruch für die Arbeit wird für den Denkprozess geltend gemacht, der es informiert hat. Der Aspekt des Kommerzes ist in die Arbeit zurückgekehrt.

Es hat auch eine Zunahme der Kunst gegeben, die sich auf frühere Bewegungen und Künstler bezieht und an Gültigkeit gewinnt.

Die seit den 1960er Jahren gewachsene Postmoderne in der Kunst unterscheidet sich von der Moderne insofern, als sich die Bewegungen der modernen Kunst in erster Linie auf ihre eigenen Aktivitäten und Werte konzentrierten, während die Postmoderne die gesamte Bandbreite früherer Bewegungen als Bezugspunkt verwendet. Dies hat per Definition eine relativistische Sichtweise hervorgebracht, die von Ironie und einem gewissen Unglauben an Werte begleitet ist, da jeder durch einen anderen ersetzt werden kann. Ein weiteres Ergebnis davon war das Wachstum von Kommerz und Berühmtheit. Die postmoderne Kunst hat gemeinsame Regeln und Richtlinien der sogenannten " bildenden Kunst " in Frage gestellt und die niedrige Kunst mit der schönen Kunst verschmolzen, bis keine mehr vollständig unterscheidbar ist. [40] [41]Vor dem Aufkommen der Postmoderne war die bildende Kunst durch eine Form von ästhetischer Qualität, Eleganz, Handwerkskunst, Finesse und intellektueller Anregung gekennzeichnet, die die oberen oder gebildeten Klassen ansprechen sollte . diese unterschied hohe Kunst von niedriger Kunst, die wiederum als klebrig, kitschig , leicht zu machen und ohne viel oder jede intellektuelle Anregung angesehen wurde, Kunst, die die Massen ansprechen sollte. Die postmoderne Kunst verwischte diese Unterscheidungen und brachte ein starkes Element von Kitsch, Kommerz und Campness in die zeitgenössische bildende Kunst. [39] Was heutzutage als bildende Kunst angesehen wird, wurde möglicherweise als niedrige Kunst angesehen, bevor die Postmoderne das Konzept revolutionierte, was hohe oder bildende Kunst wirklich ist. [39]Darüber hinaus lässt die postmoderne Natur der zeitgenössischen Kunst viel Raum für Individualismus innerhalb der Kunstszene; Beispielsweise lässt sich die postmoderne Kunst häufig von früheren künstlerischen Bewegungen wie der gotischen oder barocken Kunst inspirieren und stellt Stile aus diesen vergangenen Perioden in einem anderen Kontext nebeneinander und recycelt sie. [39]

Einige Surrealisten, insbesondere Joan Miró , forderten den "Mord an der Malerei" (In zahlreichen Interviews ab den 1930er Jahren drückte Miró seine Verachtung für konventionelle Malmethoden und seinen Wunsch aus, sie zu "töten", "zu ermorden" oder "zu vergewaltigen" zugunsten zeitgenössischerer Ausdrucksmittel). [42] haben die Malerei denunziert oder versucht, sie zu "ersetzen", und es gab auch andere Anti-Mal-Trends unter den künstlerischen Bewegungen, wie die von Dada und der Konzeptkunst . Dem Trend weg von der Malerei im späten 20. Jahrhundert wurde durch verschiedene Bewegungen entgegengewirkt, zum Beispiel die Fortsetzung von Minimal Art , Lyrical Abstraction ,, Op Art , Neuer Realismus , Fotorealismus , Neo Geo , Neo-Expressionismus , Neue Europäische Malerei , Stuckismus und verschiedene andere wichtige und einflussreiche malerische Richtungen.

Siehe auch [ Bearbeiten ]

  • Kunstgeschichte
  • Geschichte der Malerei
  • Leben der besten Maler, Bildhauer und Architekten (Buch aus dem 16. Jahrhundert)
  • Modernismus
  • Malerei in Amerika vor der europäischen Kolonialisierung
  • Westeuropäische Gemälde in ukrainischen Museen
  • Liste der Zeiträume

Referenzen [ bearbeiten ]

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  42. ^ M. Rowell, Joan Mirό: Ausgewählte Schriften und Interviews (London: Thames & Hudson , 1987) S. 114–116.

Bibliographie [ Bearbeiten ]

  • Chapin, Anne P., "Macht, Privilegien und Landschaft in der minoischen Kunst", in Charis: Essays zu Ehren von Sara A. Immerwahr , Hesperia (Princeton, NJ) 33, 2004, ASCSA, ISBN 0876615337 , 9780876615331, Google Books 
  • Gates, Charles, "Bildmaterial in minoischer Wandmalerei", in Charis s: Essays zu Ehren von Sara A. Immerwahr , Hesperia (Princeton, NJ) 33, 2004, ASCSA, ISBN 0876615337 , 9780876615331, Google Books 
  • Hood, Sinclair , Die Künste im prähistorischen Griechenland , 1978, Pinguin (Pinguin / Yale Kunstgeschichte), ISBN 0140561420 
  • Sandars, Nancy K., Prähistorische Kunst in Europa , Pinguin (Pelikan, jetzt Yale, Kunstgeschichte), 1968 (nb 1. Aufl .; frühe Daten jetzt abgelöst)

Externe Links [ Bearbeiten ]

  • Web Gallery of Art
  • Postmodernismus
  • Europäische Künstlergemeinschaft
  • Panopticon Virtual Art Gallery