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Pablo Picasso , 1910, Mädchen mit einer Mandoline (Fanny Tellier) , Öl auf Leinwand, 100,3 × 73,6 cm, Museum of Modern Art , New York

Der Kubismus ist eine avantgardistische Kunstbewegung des frühen 20. Jahrhunderts , die die europäische Malerei und Skulptur revolutionierte und verwandte Bewegungen in Musik , Literatur und Architektur inspirierte . Der Kubismus gilt als die einflussreichste Kunstbewegung des 20. Jahrhunderts. [1] [2] Der Begriff wird häufig in Verbindung mit einer Vielzahl von Kunstwerken verwendet, die in den 1910er und 1920er Jahren in Paris ( Montmartre und Montparnasse ) oder in der Nähe von Paris ( Puteaux ) hergestellt wurden.

Die Bewegung wurde von Pablo Picasso und Georges Braque ins Leben gerufen , zusammen mit Jean Metzinger , Albert Gleizes , Robert Delaunay , Henri Le Fauconnier , Juan Gris und Fernand Léger . [3] Ein Haupteinfluss, der zum Kubismus führte, war die Darstellung der dreidimensionalen Form in den späten Werken von Paul Cézanne . [4] Im Salon d'Automne fand eine Retrospektive von Cézannes Gemälden statt1904 wurden aktuelle Werke im Salon d'Automne von 1905 und 1906 ausgestellt, gefolgt von zwei Gedenk-Retrospektiven nach seinem Tod im Jahr 1907. [5] In kubistischen Kunstwerken werden Objekte in abstrahierter Form analysiert, zerbrochen und wieder zusammengesetzt - statt Der Künstler zeigt Objekte aus einem einzigen Blickwinkel und stellt das Subjekt aus einer Vielzahl von Blickwinkeln dar, um das Subjekt in einem größeren Kontext darzustellen. [6]

In Frankreich entwickelten sich Ableger des Kubismus, darunter Orphismus , abstrakte Kunst und später Purismus . [7] [8] Die Auswirkungen des Kubismus waren weitreichend und weitreichend. In Frankreich und anderen Ländern entwickelten sich Futurismus , Suprematismus , Dada , Konstruktivismus , Vortizismus , De Stijl und Art Deco als Reaktion auf den Kubismus. Frühe futuristische Gemälde haben mit dem Kubismus die Verschmelzung von Vergangenheit und Gegenwart gemeinsam, die Darstellung verschiedener Ansichten des gleichzeitig abgebildeten Themas, auch Mehrfachperspektive, Gleichzeitigkeit genanntoder Vielfalt, [9] während der Konstruktivismus von Picassos Technik beeinflusst wurde, Skulptur aus getrennten Elementen zu konstruieren. [10] Andere gemeinsame Themen zwischen diesen unterschiedlichen Bewegungen sind die Facettierung oder Vereinfachung geometrischer Formen sowie die Assoziation von Mechanisierung und modernem Leben.

Geschichte [ bearbeiten ]

Historiker haben die Geschichte des Kubismus in Phasen unterteilt. In einem Schema war die erste Phase des Kubismus, bekannt als analytischer Kubismus , eine Phrase, die von Juan Gris a posteriori geprägt wurde [11], sowohl radikal als auch einflussreich als kurze, aber hoch bedeutende Kunstbewegung zwischen 1910 und 1912 in Frankreich. Eine zweite Phase, der synthetische Kubismus , blieb bis etwa 1919 von entscheidender Bedeutung, als die surrealistische Bewegung an Popularität gewann. Der englische Kunsthistoriker Douglas Cooper schlug ein anderes Schema vor, das in seinem Buch The Cubist Epoch drei Phasen des Kubismus beschreibt. Laut Cooper gab es den "frühen Kubismus" (von 1906 bis 1908), als die Bewegung ursprünglich in den Ateliers von Picasso und Braque entwickelt wurde; Die zweite Phase wurde "Hochkubismus" genannt (von 1909 bis 1914). Während dieser Zeit trat Juan Gris als wichtiger Exponent auf (nach 1911). und schließlich bezeichnete Cooper den "Spätkubismus" (von 1914 bis 1921) als die letzte Phase des Kubismus als radikale Avantgardebewegung . [12] Douglas Coopers restriktive Verwendung dieser Begriffe zur Unterscheidung der Arbeiten von Braque, Picasso, Gris (ab 1911) und Léger (in geringerem Maße) implizierte ein absichtliches Werturteil. [4]

Pablo Picasso , Les Demoiselles d'Avignon , 1907, gilt als wichtiger Schritt zur Gründung der kubistischen Bewegung [13].
Pablo Picasso , 1909–10, Figure dans un Fauteuil (Sitzender Akt, Femme nue assise) , Öl auf Leinwand, 92,1 × 73 cm, Tate Modern , London

Protokubismus: 1907–08 [ Bearbeiten ]

Der Kubismus entstand zwischen 1907 und 1911. Pablo Picassos Gemälde Les Demoiselles d'Avignon von 1907 wurde oft als protokubistisches Werk angesehen.

1908 bezeichnete der Kritiker Louis Vauxcelles Braque in seiner Rezension der Ausstellung von Georges Braque in Kahnweilers Galerie als einen gewagten Mann, der die Form verachtet und "alles, Orte und Figuren und Häuser auf geometrische Schemata, auf Würfel reduziert". [14] [15]

Vauxcelles erzählte, wie Matisse ihm damals sagte: "Braque hat gerade [in den Salon d'Automne von 1908] ein Gemälde aus kleinen Würfeln geschickt". [15] Der Kritiker Charles Morice gab Matisses Worte weiter und sprach von Braques kleinen Würfeln. Das Motiv des Viadukts in l'Estaque hatte Braque dazu inspiriert, drei Gemälde zu schaffen, die durch die Vereinfachung der Form und die Dekonstruktion der Perspektive gekennzeichnet waren. [16]

Die Häuser von Georges Braque aus dem Jahr 1908 in L'Estaque (und verwandte Werke) veranlassten Vauxcelles am 25. März 1909 in Gil Blas , sich auf bizarreries cubiques (kubische Kuriositäten) zu beziehen . [17] Gertrude Stein bezeichnete Landschaften, die Picasso 1909 geschaffen hatte, wie den Stausee in der Horta de Ebro , als die ersten kubistischen Gemälde. Die erste organisierte Gruppenausstellung von Kubisten fand im Frühjahr 1911 im Salon des Indépendants in Paris in einem Raum namens "Salle 41" statt. es enthielt Werke von Jean Metzinger , Albert Gleizes , Fernand Léger , Robert Delaunay undHenri Le Fauconnier , jedoch wurden keine Werke von Picasso oder Braque ausgestellt. [4]

Bis 1911 wurde Picasso als Erfinder des Kubismus anerkannt, während Braques Bedeutung und Vorrang später in Bezug auf seine Behandlung von Raum, Volumen und Masse in den Landschaften von L'Estaque diskutiert wurde. "Diese Sichtweise des Kubismus ist jedoch mit einer deutlich restriktiven Definition verbunden, welche Künstler eigentlich als Kubisten zu bezeichnen sind", schrieb der Kunsthistoriker Christopher Green: "Marginalisierung des Beitrags der Künstler, die 1911 im Salon des Indépendants ausstellten [.. .] " [4]

Die Behauptung, dass die kubistische Darstellung von Raum, Masse, Zeit und Volumen die Flachheit der Leinwand stützt (und nicht widerspricht), wurde bereits 1920 von Daniel-Henry Kahnweiler gemacht [18] , wurde jedoch in den 1950er Jahren kritisiert und 1960er Jahre, insbesondere von Clement Greenberg . [19]

Die zeitgenössischen Ansichten des Kubismus sind komplex und in gewissem Maße als Reaktion auf die Kubisten des "Salle 41" entstanden, deren Methoden sich zu stark von denen von Picasso und Braque unterschieden, um als zweitrangig angesehen zu werden. Daher haben sich alternative Interpretationen des Kubismus entwickelt. Weitergehende Ansichten des Kubismus schließen Künstler ein, die später mit den "Salle 41" -Künstlern in Verbindung gebracht wurden, z. B. Francis Picabia ; die Brüder Jacques Villon , Raymond Duchamp-Villon und Marcel Duchamp , die ab Ende 1911 den Kern der Section d'Or (oder der Puteaux-Gruppe ) bildeten; die Bildhauer Alexander Archipenko , Joseph Csaky und Ossip Zadkinesowie Jacques Lipchitz und Henri Laurens ; und Maler wie Louis Marcoussis , Roger de la Fresnaye , František Kupka , Diego Rivera , Léopold Survage , Auguste Herbin , André Lhote , Gino Severini (nach 1916), María Blanchard (nach 1916) und Georges Valmier (nach 1918). Grundsätzlich argumentiert Christopher Green, dass Douglas Coopers Begriffe "später durch Interpretationen der Arbeit von Picasso, Braque, Gris und Léger untergraben wurden, die eher ikonografische und ideologische Fragen als Darstellungsmethoden betonen".[4]

John Berger identifiziert die Essenz des Kubismus mit dem mechanischen Diagramm. "Das metaphorische Modell des Kubismus ist das Diagramm: Das Diagramm ist eine sichtbare symbolische Darstellung unsichtbarer Prozesse, Kräfte, Strukturen. Ein Diagramm muss bestimmte Aspekte des Aussehens nicht meiden, aber auch diese werden als Zeichen behandelt, nicht als Nachahmungen oder Nachbildungen." [20]

Früher Kubismus: 1909–1914 [ Bearbeiten ]

Albert Gleizes , L'Homme au Balcon, Mann auf einem Balkon (Porträt von Dr. Théo Morinaud) , 1912, Öl auf Leinwand, 195,6 × 114,9 cm, Philadelphia Museum of Art . Fertiggestellt im selben Jahr, in dem Albert Gleizes gemeinsam mit Jean Metzinger das Buch Du "Cubisme" verfasste . Ausgestellt im Salon d'Automne, Paris, 1912, Armory Show , New York, Chicago, Boston, 1913

Es gab einen deutlichen Unterschied zwischen Kahnweilers Kubisten und den Salonkubisten. Vor 1914 erhielten Picasso, Braque, Gris und Léger (in geringerem Umfang) die Unterstützung eines einzigen engagierten Kunsthändlers in Paris, Daniel-Henry Kahnweiler, der ihnen ein Jahreseinkommen für das ausschließliche Recht zum Kauf ihrer Werke garantierte. Kahnweiler verkaufte nur an einen kleinen Kreis von Kennern. Seine Unterstützung gab seinen Künstlern die Freiheit, in relativer Privatsphäre zu experimentieren. Picasso arbeitete bis 1912 in Montmartre, während Braque und Gris dort bis nach dem Ersten Weltkrieg blieben. Léger hatte seinen Sitz in Montparnasse. [4]

Im Gegensatz dazu bauten die Salonkubisten ihren Ruf vor allem durch regelmäßige Ausstellungen im Salon d'Automne und im Salon des Indépendants auf, die beide große nicht-akademische Salons in Paris sind. Sie waren sich unweigerlich der öffentlichen Reaktion und der Notwendigkeit der Kommunikation bewusster. [4] Bereits 1910 begann sich eine Gruppe zu bilden, zu der Metzinger, Gleizes, Delaunay und Léger gehörten. Sie trafen sich regelmäßig in Henri le Fauconniers Atelier in der Nähe des Boulevards du Montparnasse . Zu diesen Soirées gehörten häufig Schriftsteller wie Guillaume Apollinaire und André Salmon . Zusammen mit anderen jungen Künstlern wollte die Gruppe eine Erforschung der Form im Gegensatz zur neoimpressionistischen Betonung der Farbe hervorheben. [21]

Louis Vauxcelles bezog sich in seiner Rezension des 26. Salon des Indépendants (1910) vorübergehend und ungenau auf Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger und Le Fauconnier als "unwissende Geometer, die den menschlichen Körper, den Ort, auf blasse Würfel reduzierten. "" [22] [23] Einige Monate später stellte Metzinger auf dem Salon d'Automne 1910 sein hochgebrochenes Nu à la cheminée (Akt) aus , das später sowohl in Du "Cubisme" (1912) als auch in Les Peintres Cubistes ( 1912) reproduziert wurde 1913). [24]

Die erste öffentliche Kontroverse, die der Kubismus auslöste, resultierte aus Salonvorführungen bei den Indépendants im Frühjahr 1911. Diese Vorführung von Metzinger, Gleizes, Delaunay, le Fauconnier und Léger machte die Öffentlichkeit erstmals auf den Kubismus aufmerksam. Unter den vorgestellten kubistischen Werken stellte Robert Delaunay seinen Eiffelturm Tour Eiffel (Solomon R. Guggenheim Museum, New York) aus. [25]

Die "Kubisten" dominieren den Pariser Herbstsalon, The New York Times , 8. Oktober 1911. Picassos 1908 sitzende Frau ( Meditation ) wird zusammen mit einem Foto des Künstlers in seinem Atelier (oben links) reproduziert. Metzingers Baigneuses (1908–09) ist oben rechts wiedergegeben. Ebenfalls reproduziert sind Werke von Derain, Matisse, Friesz, Herbin und ein Foto von Braque

Im Salon d'Automne des gleichen Jahres wurden neben der Gruppe der Indépendants in Salle 41 Werke von André Lhote , Marcel Duchamp , Jacques Villon, Roger de la Fresnaye , André Dunoyer de Segonzac und František Kupka ausgestellt . Die Ausstellung wurde in der New York Times vom 8. Oktober 1911 besprochen . Dieser Artikel wurde ein Jahr nach Veröffentlichung Gelett Burgess ' The Wild Männer von Paris , [26] und zwei Jahren vor der Armory Show, die erstaunte Amerikaner, die an realistische Kunst gewöhnt sind, in die experimentellen Stile der europäischen Avantgarde einführten, darunter Fauvismus, Kubismus und Futurismus. Der Artikel der New York Times von 1911 porträtierte Werke von Picasso, Matisse, Derain, Metzinger und anderen, die vor 1909 datiert wurden. nicht im Salon von 1911 ausgestellt. Der Artikel trug den Titel "Die" Kubisten "dominieren den Herbstsalon von Paris und trägt den Untertitel" Exzentrische Schule für Malerei ". Erhöht die Vogue in der aktuellen Kunstausstellung - Was die Anhänger versuchen zu tun. [27] [28]

Unter allen im Pariser Herbstsalon ausgestellten Gemälden fällt keines so auf wie die außergewöhnlichen Produktionen der sogenannten "kubistischen" Schule. Tatsächlich deuten Sendungen aus Paris darauf hin, dass diese Werke leicht das Hauptmerkmal der Ausstellung sind. [...]

Trotz der verrückten Natur der "kubistischen" Theorien ist die Zahl derer, die sie bekennen, ziemlich respektabel. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger - dies sind einige der Namen, die auf Leinwänden signiert sind, vor denen Paris gestanden hat und jetzt wieder in leerem Erstaunen steht.

Was meinen sie? Haben sich die Verantwortlichen von ihren Sinnen verabschiedet? Ist es Kunst oder Wahnsinn? Wer weiß? [27] [28]

Salon des Indépendants [ Bearbeiten ]

Der darauffolgende Salon des Indépendants von 1912 in Paris (20. März bis 16. Mai 1912) war geprägt von der Präsentation von Marcel Duchamps Nude Descending a Staircase Nr. 2 , der selbst unter den Kubisten einen Skandal verursachte. Es wurde tatsächlich vom hängenden Komitee abgelehnt, dem seine Brüder und andere Kubisten angehörten. Obwohl die Arbeit im Oktober 1912 im Salon de la Section d'Or und in der Waffenkammer von 1913 in New York gezeigt wurde, vergab Duchamp seinen Brüdern und ehemaligen Kollegen nie, dass sie seine Arbeit zensiert hatten. [21] [29] Juan Gris, ein Neuzugang in der Salonszene, stellte sein Porträt von Picasso (Art Institute of Chicago) aus, während Metzingers zwei Ausstellungen La Femme au Cheval (Frau mit einem Pferd) 1911–1912 (Nationalgalerie von Dänemark ). [30] Delaunays monumentales La Ville de Paris (Musée d'art moderne de la Ville de Paris) und Légers La Noce , Die Hochzeit (Musée National d'Art Moderne, Paris) wurden ebenfalls ausgestellt.

Galerien Dalmau [ Bearbeiten ]

1912 präsentierten die Galeries Dalmau die weltweit erste erklärte Gruppenausstellung des Kubismus ( Exposició d'Art Cubista ) [31] [32] [33] mit einer kontroversen Präsentation von Jean Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris, Marie Laurencin und Marcel Duchamp (Barcelona, ​​20. April bis 10. Mai 1912). Die Dalmau-Ausstellung umfasste 83 Werke von 26 Künstlern. [34] [35] [36] Jacques Nayrals Verbindung mit Gleizes veranlasste ihn, das Vorwort für die kubistische Ausstellung zu schreiben, [31] das vollständig übersetzt und in der Zeitung La Veu de Catalunya reproduziert wurde . [37] [38] Duchamps Akt, der eine Treppe hinabsteigt, Nr. 2wurde zum ersten Mal ausgestellt. [39]

Umfangreiche Medienberichterstattung (in Zeitungen und Zeitschriften) vor, während und nach der Ausstellung der Galeries Dalmau als treibende Kraft für die Entwicklung und Verbreitung der Moderne in Europa. [39] Obwohl die Berichterstattung in der Presse umfangreich war, war sie nicht immer positiv. Artikel wurden in den Zeitungen Esquella de La Torratxa [40] und El Noticiero Universal [41] veröffentlicht , die die Kubisten mit einer Reihe von Karikaturen angriffen, die mit abfälligen Texten durchsetzt waren. [41] Der Kunsthistoriker Jaime Brihuega schreibt über die Dalmau-Show: "Kein Zweifel, dass die Ausstellung in der Öffentlichkeit eine starke Aufregung hervorrief, die sie mit großem Misstrauen begrüßte. [42]

Salon d'Automne [ Bearbeiten ]

Der kubistische Beitrag zum Salon d'Automne von 1912 löste einen Skandal hinsichtlich der Nutzung staatseigener Gebäude wie des Grand Palais aus , um solche Kunstwerke auszustellen. Die Empörung des Politikers Jean Pierre Philippe Lampué machte die Titelseite von Le Journal , 5. Oktober 1912. [43] Die Kontroverse breitete sich auf den Stadtrat von Paris aus und führte im Chambre des Députés zu einer Debatte über die Verwendung öffentlicher Mittel für bieten den Ort für solche Kunst. [44] Die Kubisten wurden vom sozialistischen Abgeordneten Marcel Sembat verteidigt . [44] [45] [46]

Vor diesem Hintergrund des öffentlichen Zorns schrieben Jean Metzinger und Albert Gleizes Du "Cubisme" (1912 von Eugène Figuière veröffentlicht, 1913 ins Englische und Russische übersetzt). [47] Unter den ausgestellten Arbeiten waren Le Fauconnier 's große Komposition Attaques Les Montagnards par die ours (Mountaineers Angegriffen von Bär) jetzt auf Rhode Island School of Design Museum, Joseph Csaky ' s Deux Femme, Zwei Frauen (eine Skulptur jetzt verloren) Zusätzlich zu den sehr abstrakten Gemälden von Kupka, Amorpha (Nationalgalerie, Prag) und Picabia , La Source (Frühling) (Museum of Modern Art, New York).

Abstraktion und das fertige [ Bearbeiten ]

Robert Delaunay , Simultane Fenster auf der Stadt , 1912, 46 x 40 cm, Hamburger Kunsthalle , ein Beispiel für abstrakten Kubismus

Die extremsten Formen des Kubismus waren nicht die von Picasso und Braque praktizierten, die sich der totalen Abstraktion widersetzten. Andere Kubisten, dagegen vor allem František Kupka , und diese als Orphisten von Apollinaire (Delaunay, Léger, Picabia und Duchamp) nehmen Abstraktion durch sichtbaren Gegenstand vollständig zu entfernen. Kupkas zwei Einträge im Salon d'Automne von 1912, Amorpha-Fuge à deux couleurs und Amorpha chromatique chaudewaren sehr abstrakt (oder nicht repräsentativ) und metaphysisch orientiert. Sowohl Duchamp im Jahr 1912 als auch Picabia im Jahr 1912 bis 1914 entwickelten eine ausdrucksstarke und anspielende Abstraktion, die sich komplexen emotionalen und sexuellen Themen widmete. Ab 1912 malte Delaunay eine Reihe von Gemälden mit dem Titel Simultaneous Windows , gefolgt von einer Reihe mit dem Titel Formes Circulaires , in der er planare Strukturen mit hellen prismatischen Farbtönen kombinierte. Aufgrund der optischen Eigenschaften nebeneinander angeordneter Farben war seine Abweichung von der Realität bei der Darstellung von Bildern quasi vollständig. In den Jahren 1913–14 produzierte Léger eine Serie mit dem Titel Contrasts of FormsFarbe, Linie und Form werden ähnlich betont. Sein Kubismus war trotz seiner abstrakten Qualitäten mit Themen der Mechanisierung und des modernen Lebens verbunden. Apollinaire unterstützte diese frühen Entwicklungen des abstrakten Kubismus in Les Peintres cubistes (1913) [24] und schrieb ein neues "reines" Gemälde, in dem das Thema geräumt wurde. Trotz seiner Verwendung des Begriffs Orphismus waren diese Werke so unterschiedlich, dass sie sich den Versuchen widersetzten, sie in eine einzige Kategorie einzuteilen. [4]

Marcel Duchamp, der von Apollinaire auch als Orphist bezeichnet wurde, war für eine weitere extreme Entwicklung verantwortlich, die vom Kubismus inspiriert war. Das fertige entstand aus einer gemeinsamen Überlegung, dass das Werk selbst als Objekt (nur als Gemälde) betrachtet wird und dass es den materiellen Abfall der Welt verwendet (als Collage und Pappcollé in der kubistischen Konstruktion und Assemblage). Der nächste logische Schritt für Duchamp bestand darin, ein gewöhnliches Objekt als autarkes Kunstwerk zu präsentieren, das nur sich selbst darstellt. 1913 befestigte er ein Fahrradrad an einem Küchenhocker und wählte 1914 einen Flaschentrockner als eigenständige Skulptur aus. [4]

Abschnitt d'Or [ Bearbeiten ]

Der Salon d'Automne von 1912 fand vom 1. Oktober bis 8. November in Paris im Grand Palais statt. Joseph Csakys Skulptur Groupe de femmes von 1911–12 ist links vor zwei Skulpturen von Amedeo Modigliani ausgestellt . Weitere Werke von Künstlern der Sektion d'Or werden gezeigt (von links nach rechts): František Kupka , Francis Picabia , Jean Metzinger und Henri Le Fauconnier .

Die Section d'Or , auch bekannt als Groupe de Puteaux , die von einigen der auffälligsten Kubisten gegründet wurde, war ein Kollektiv von Malern, Bildhauern und Kritikern im Zusammenhang mit Kubismus und Orphismus, das von 1911 bis etwa 1914 aktiv war und in der Folge an Bedeutung gewann ihrer kontroversen Darstellung im Salon des Indépendants von 1911 . Der Salon de la Section d'Or in der Galerie La Boétie in Paris im Oktober 1912 war wohl die wichtigste kubistische Ausstellung vor dem Ersten Weltkrieg. den Kubismus einem breiten Publikum zugänglich machen. Über 200 Werke wurden ausgestellt, und die Tatsache, dass viele der Künstler Kunstwerke zeigten, die für ihre Entwicklung von 1909 bis 1912 repräsentativ waren, verlieh der Ausstellung den Reiz einer kubistischen Retrospektive.[48]

Die Gruppe scheint den Namen Section d'Or angenommen zu haben, um sich von der engeren Definition des Kubismus zu unterscheiden, die parallel von Pablo Picasso und Georges Braque im Pariser Viertel Montmartre entwickelt wurde , und um zu zeigen, dass Kubismus keine isolierte Kunst ist. Form, stellte die Fortsetzung einer großen Tradition dar (tatsächlich hatte der Goldene Schnitt westliche Intellektuelle mit unterschiedlichen Interessen seit mindestens 2.400 Jahren fasziniert). [49]

Die Idee der Section d'Or entstand im Rahmen von Gesprächen zwischen Metzinger, Gleizes und Jacques Villon. Der Titel der Gruppe wurde von Villon vorgeschlagen, nach einer 1910 Übersetzung des Lesens Leonardo da Vinci ‚s Trattato della Pittura von Joséphin Péladan .

Während des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts entdeckten die Europäer afrikanische , polynesische, mikronesische und indianische Kunst. Künstler wie Paul Gauguin , Henri Matisse und Pablo Picasso waren fasziniert und inspiriert von der starken Kraft und Einfachheit der Stile dieser fremden Kulturen. Um 1906 lernte Picasso Matisse durch Gertrude Stein kennen , zu einer Zeit, als beide Künstler sich kürzlich für Primitivismus , iberische Skulptur, afrikanische Kunst und afrikanische Stammesmasken interessierten. Sie wurden freundliche Rivalen und konkurrierten während ihrer gesamten Karriere miteinander, was möglicherweise dazu führte, dass Picasso 1907 in eine neue Periode seiner Arbeit eintrat, die vom Einfluss der griechischen, iberischen und afrikanischen Kunst geprägt war. Picassos Gemälde von 1907 wurden als Protokubismus charakterisiert , wie insbesondere in Les Demoiselles d'Avignon , dem Vorläufer des Kubismus, zu sehen ist. [13]

Paul Cézanne , Steinbruch Bibémus , 1898–1900, Museum Folkwang , Essen , Deutschland

Der Kunsthistoriker Douglas Cooper erklärt, dass Paul Gauguin und Paul Cézanne "einen besonderen Einfluss auf die Entstehung des Kubismus hatten und besonders wichtig für die Gemälde von Picasso in den Jahren 1906 und 1907 waren". [50] Cooper fährt fort: "Die Demoiselles werden allgemein als das erste kubistische Bild bezeichnet. Dies ist eine Übertreibung, denn obwohl es ein wichtiger erster Schritt in Richtung Kubismus war, ist es noch nicht kubistisch. Das störende, expressionistische Element darin widerspricht sogar dem Geist des Kubismus, der die Welt in einem distanzierten, realistischen Geist betrachtete. Trotzdem die Demoisellesist das logische Bild, das als Ausgangspunkt für den Kubismus dienen soll, weil es die Geburt einer neuen Bildsprache markiert, weil Picasso darin etablierte Konventionen gewaltsam auf den Kopf gestellt hat und weil alles, was folgte, daraus hervorgegangen ist. " [13]

Der schwerwiegendste Einwand gegen die Betrachtung der Demoiselles als Ursprung des Kubismus mit seinem offensichtlichen Einfluss der primitiven Kunst ist, dass "solche Schlussfolgerungen unhistorisch sind", schrieb der Kunsthistoriker Daniel Robbins . Diese vertraute Erklärung "berücksichtigt die Komplexität einer blühenden Kunst, die kurz vor und während der Entwicklung von Picassos neuem Gemälde existierte, nicht angemessen." [51] Zwischen 1905 und 1908 führte die bewusste Suche nach einem neuen Stil zu raschen Veränderungen in der Kunst in Frankreich, Deutschland, den Niederlanden, Italien und Russland. Die Impressionisten hatten einen doppelten Standpunkt vertreten, sowohl Les Nabis als auch die Symbolisten(der auch Cézanne bewunderte) drückte die Bildebene flach und reduzierte ihre Motive auf einfache geometrische Formen. Die neoimpressionistische Struktur und das Thema, insbesondere in den Werken von Georges Seurat (z. B. Parade de Cirque , Le Chahut und Le Cirque ), waren ein weiterer wichtiger Einfluss. Es gab auch Parallelen in der Entwicklung der Literatur und des sozialen Denkens. [51]

Neben Seurat liegen die Wurzeln des Kubismus in den beiden unterschiedlichen Tendenzen von Cézannes späterer Arbeit: erstens das Aufbrechen der gemalten Oberfläche in kleine, facettenreiche Farbbereiche, wodurch der pluralistische Standpunkt des binokularen Sehens betont wird , und zweitens seine Interesse an der Vereinfachung natürlicher Formen in Zylinder, Kugeln und Kegel. Die Kubisten untersuchten dieses Konzept jedoch weiter als Cézanne. Sie stellten alle Oberflächen der abgebildeten Objekte in einer einzigen Bildebene dar, als ob alle Gesichter der Objekte gleichzeitig sichtbar wären. Diese neue Art der Darstellung revolutionierte die Art und Weise, wie Objekte in Malerei und Kunst visualisiert werden konnten.

Jean Metzinger , 1911–12, La Femme au Cheval , Frau mit einem Pferd , Statens Museum für Kunst, Nationalgalerie von Dänemark. 1912 im Salon des Indépendants ausgestellt und 1913 in Apollinaires The Cubist Painters, Aesthetic Meditations veröffentlicht . Provenienz: Jacques Nayral, Niels Bohr

Die historische Untersuchung des Kubismus begann Ende der 1920er Jahre und stützte sich zunächst auf Quellen begrenzter Daten, nämlich der Meinungen von Guillaume Apollinaire . Es stützte sich stark auf Daniel-Henry Kahnweilers Buch Der Weg zum Kubismus(veröffentlicht 1920), das sich auf die Entwicklungen von Picasso, Braque, Léger und Gris konzentrierte. Die später entstandenen Begriffe "analytisch" und "synthetisch" sind seit Mitte der 1930er Jahre weit verbreitet. Beide Begriffe sind historische Auferlegungen, die nach den von ihnen identifizierten Tatsachen aufgetreten sind. Zum Zeitpunkt der Erstellung der entsprechenden Werke wurde keine der beiden Phasen als solche bezeichnet. "Wenn Kahnweiler den Kubismus als Picasso und Braque betrachtet", schrieb Daniel Robbins, "besteht unser einziger Fehler darin, die Werke anderer Kubisten den Strenge dieser begrenzten Definition auszusetzen." [51]

Die traditionelle Interpretation des "Kubismus", die post facto als Mittel zum Verständnis der Werke von Braque und Picasso formuliert wurde , hat unsere Wertschätzung für andere Künstler des 20. Jahrhunderts beeinflusst. Es ist schwierig, sich bei Malern wie Jean Metzinger , Albert Gleizes, Robert Delaunay und Henri Le Fauconnier zu bewerben , deren grundlegende Unterschiede zum traditionellen Kubismus Kahnweiler dazu zwangen, sich zu fragen, ob er sie überhaupt Kubisten nennen sollte. Laut Daniel Robbins ist es ein schwerwiegender Fehler, zu behaupten, dass diese Künstler, nur weil sie sich anders entwickelten oder sich von dem traditionellen Muster unterschieden, den Abstieg in eine sekundäre oder Satellitenrolle im Kubismus verdient hätten. [51]

Die Geschichte des Begriffs "Kubismus" betont gewöhnlich die Tatsache, dass Matisse 1908 im Zusammenhang mit einem Gemälde von Braque von "Würfeln" sprach und dass der Begriff von dem Kritiker Louis Vauxcelles in einem ähnlichen Kontext zweimal veröffentlicht wurde . Das Wort "Würfel" wurde jedoch 1906 von einem anderen Kritiker, Louis Chassevent, verwendet, wobei nicht auf Picasso oder Braque, sondern auf Metzinger und Delaunay Bezug genommen wurde:

"M. Metzinger ist ein Mosaiker wie M. Signac, aber er bringt mehr Präzision in das Schneiden seiner Farbwürfel, die mechanisch hergestellt worden zu sein scheinen [...]". [51] [52] [53]

Die kritische Verwendung des Wortes "Würfel" geht mindestens auf den Mai 1901 zurück, als Jean Béral, der die Arbeit von Henri-Edmond Cross bei den Indépendants in Art et Littérature überprüfte , bemerkte, dass er "einen großen und quadratischen Pointillismus verwendet, der den Eindruck erweckt Man wundert sich sogar, warum der Künstler keine Würfel aus Feststoffen verwendet hat, die unterschiedlich gefärbt sind: Sie würden hübsche Deckwerke machen. " (Robert Herbert, 1968, S. 221) [53]

Der Begriff Kubismus wurde erst 1911 allgemein verwendet, hauptsächlich in Bezug auf Metzinger, Gleizes, Delaunay und Léger. [51] 1911 akzeptierte der Dichter und Kritiker Guillaume Apollinaire den Begriff im Namen einer Gruppe von Künstlern, die zur Ausstellung bei den Brüsseler Indépendants eingeladen wurden. Im folgenden Jahr schrieben und veröffentlichten Metzinger und Gleizes in Vorbereitung auf den Salon de la Section d'Or Du "Cubisme" [54] , um die Verwirrung um das Wort zu zerstreuen und als Hauptverteidigung des Kubismus (der hatte nach dem Salon des Indépendants von 1911 und dem Salon d'Automne von 1912 in Paris einen öffentlichen Skandal ausgelöst. [55]Diese Arbeit, die ihre Ziele als Künstler klarstellte, war die erste theoretische Abhandlung über den Kubismus und ist nach wie vor die klarste und verständlichste. Das Ergebnis, nicht nur eine Zusammenarbeit zwischen den beiden Autoren, spiegelte die Diskussionen des Künstlerkreises wider, der sich in Puteaux und Courbevoie traf . Es spiegelte die Einstellungen der "Künstler von Passy" wider, zu denen Picabia und die Brüder Duchamp gehörten, denen Teile davon vor der Veröffentlichung vorgelesen wurden. [4] [51] Das in Du "Cubisme" entwickelte KonzeptEs ist allgemein anerkannt, ein Subjekt von verschiedenen Punkten in Raum und Zeit gleichzeitig zu beobachten, dh sich um ein Objekt zu bewegen, um es aus mehreren aufeinanderfolgenden Winkeln zu erfassen, die zu einem einzigen Bild verschmolzen sind (mehrere Blickwinkel, mobile Perspektive, Gleichzeitigkeit oder Vielfältigkeit) Gerät von den Kubisten verwendet. [56]

Den Manifesten Du "Cubisme" von Metzinger und Gleizes von 1912 folgte 1913 Les Peintres Cubistes , eine Sammlung von Reflexionen und Kommentaren von Guillaume Apollinaire. [24] Apollinaire war seit 1905 eng mit Picasso und ab 1907 mit Braque verbunden, widmete jedoch Künstlern wie Metzinger, Gleizes, Delaunay, Picabia und Duchamp ebenso viel Aufmerksamkeit. [4]

Die Tatsache, dass die Ausstellung von 1912 kuratiert worden war, um die aufeinanderfolgenden Phasen zu zeigen, durch die der Kubismus gegangen war, und dass Du "Cubisme" zu diesem Anlass veröffentlicht worden war, zeigt die Absicht der Künstler, ihre Werke einem breiten Publikum (Kunstkritiker) verständlich zu machen , Kunstsammler, Kunsthändler und die breite Öffentlichkeit). Zweifellos wurde der Kubismus aufgrund des großen Erfolgs der Ausstellung zu einer Avantgarde-Bewegung, die als Genre oder Stil in der Kunst mit einer bestimmten gemeinsamen Philosophie oder einem bestimmten gemeinsamen Ziel anerkannt wurde. [48]

Kristallkubismus: 1914–1918 [ Bearbeiten ]

Jean Metzinger, 1914–15, Soldat jouant aux échecs (Soldat bei einer Schachpartie, Le Soldat à la partie d'échecs) , Öl auf Leinwand, 81,3 × 61 cm, Smart Museum of Art , Universität Chicago

Eine signifikante Veränderung des Kubismus zwischen 1914 und 1916 wurde durch eine Verschiebung hin zu einer starken Betonung großer überlappender geometrischer Ebenen und flacher Oberflächenaktivität signalisiert. Diese zwischen 1917 und 1920 besonders bedeutende Gruppierung von Mal- und Skulpturenstilen wurde von mehreren Künstlern praktiziert; insbesondere diejenigen, die unter Vertrag mit dem Kunsthändler und Sammler Léonce Rosenberg stehen . Die Verschärfung der Kompositionen, die Klarheit und der Ordnungssinn, die sich in diesen Werken widerspiegeln, führten dazu, dass der Kritiker Maurice Raynal sie als "Kristallkubismus" bezeichnete. Überlegungen, die Kubisten vor Beginn des Ersten Weltkriegs geäußert haben - wie die vierte Dimension , die Dynamik des modernen Lebens, das Okkultismus und Henri BergsonDas Konzept der Dauer wurde nun geräumt und durch einen rein formalen Bezugsrahmen ersetzt. [57]

Der Kristallkubismus und sein assoziatives Abseilen à l'ordre sind mit der Neigung verbunden - von denen, die den Streitkräften gedient haben, und von denen, die im zivilen Sektor geblieben sind -, den Realitäten des Ersten Weltkriegs sowohl während als auch unmittelbar danach zu entkommen Der Konflikt. Die Reinigung des Kubismus von 1914 bis Mitte der 1920er Jahre mit seiner zusammenhängenden Einheit und seinen freiwilligen Zwängen war mit einer viel umfassenderen ideologischen Transformation hin zum Konservatismus sowohl in der französischen Gesellschaft als auch in der französischen Kultur verbunden . [4]

Kubismus nach 1918 [ Bearbeiten ]

Pablo Picasso , Drei Musiker (1921), Museum of Modern Art . Drei Musiker ist ein klassisches Beispiel für synthetischen Kubismus. [58]

Die innovativste Zeit des Kubismus war vor 1914. Nach dem Ersten Weltkrieg kehrte der Kubismus mit Unterstützung des Händlers Léonce Rosenberg als zentrales Thema für Künstler zurück und setzte sich als solches bis Mitte der 1920er Jahre fort, als er seinen Avantgarde-Status hatte fraglich gemacht durch die Entstehung der geometrischen Abstraktion und des Surrealismus in Paris . Viele Kubisten, darunter Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes und Metzinger, kehrten, während sie andere Stile entwickelten, auch weit nach 1925 regelmäßig zum Kubismus zurück. Der Kubismus tauchte in den 1920er und 1930er Jahren in der Arbeit des Amerikaners Stuart Davis und der USA wieder auf Engländer Ben Nicholson. In Frankreich erlebte der Kubismus jedoch ab etwa 1925 einen Niedergang. Léonce Rosenberg stellte nicht nur die Künstler aus, die von Kahnweilers Exil gestrandet waren, sondern auch andere, darunter Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin und Severini. 1918 präsentierte Rosenberg in seiner Galerie de l'Effort Moderne in Paris eine Reihe kubistischer Ausstellungen. Louis Vauxcelles versuchte zu argumentieren, der Kubismus sei tot, aber diese Ausstellungen, zusammen mit einer gut organisierten kubistischen Ausstellung im Salon des Indépendants 1920 und einer Wiederbelebung des Salon de la Section d'Or im selben Jahr, zeigten dies war noch am Leben. [4]

Das Wiederaufleben des Kubismus fiel mit dem Erscheinen einer zusammenhängenden theoretischen Sammlung von Pierre Reverdy, Maurice Raynal und Daniel-Henry Kahnweiler sowie unter den Künstlern von Gris, Léger und Gleizes von etwa 1917 bis 1924 zusammen. Die gelegentliche Rückkehr zum Klassizismus - figurative Arbeit entweder ausschließlich oder neben kubistischer Arbeit -, die viele Künstler in dieser Zeit erlebten ( Neoklassizismus genannt ), war mit der Tendenz verbunden, sich den Realitäten des Krieges zu entziehen, und auch mit der kulturellen Dominanz eines Klassikers oder Lateiners Bild von Frankreich während und unmittelbar nach dem Krieg. Der Kubismus nach 1918 kann als Teil eines breiten ideologischen Wandels zum Konservatismus in beiden französischen Ländern angesehen werdenGesellschaft und Kultur. Der Kubismus selbst blieb jedoch sowohl im Werk einzelner Künstler wie Gris und Metzinger als auch in der Arbeit von Künstlern wie Braque, Léger und Gleizes evolutionär. Der Kubismus als öffentlich diskutierte Bewegung wurde relativ einheitlich und offen für Definitionen. Seine theoretische Reinheit machte es zu einem Maßstab, mit dem so unterschiedliche Tendenzen wie Realismus oder Naturalismus , Dada , Surrealismus und Abstraktion verglichen werden konnten. [4]

Einfluss in Asien [ Bearbeiten ]

Japan und China gehörten zu den ersten Ländern in Asien, die vom Kubismus beeinflusst wurden. Der Kontakt erfolgte erstmals über europäische Texte, die in den 1910er Jahren in japanischen Kunstzeitschriften übersetzt und veröffentlicht wurden. In den 1920er Jahren brachten japanische und chinesische Künstler, die in Paris studierten, zum Beispiel diejenigen, die an der École nationale supérieure des Beaux-Arts eingeschrieben waren , beide ein Verständnis für moderne Kunstbewegungen, einschließlich des Kubismus, mit. Bemerkenswerte Werke ausstellen Cubist Qualitäten waren Tetsugoro Yorozu ‚s Selbstporträt mit roten Augen (1912) und Fang Ganmin ‘ s Melody im Herbst (1934). [59] [60]

Interpretation [ Bearbeiten ]

Absichten und Kritik [ Bearbeiten ]

Juan Gris , Porträt von Picasso , 1912, Öl auf Leinwand, Art Institute of Chicago

Der Kubismus von Picasso und Braque hatte mehr als eine technische oder formale Bedeutung, und die unterschiedlichen Einstellungen und Absichten der Salonkubisten führten eher zu verschiedenen Arten des Kubismus als zu einer Ableitung ihrer Arbeit. "Es ist auf keinen Fall klar", schrieb Christopher Green, "inwieweit diese anderen Kubisten bei der Entwicklung von Techniken wie Facettierung, Passage und Mehrfachperspektive auf Picasso und Braque angewiesen waren; sie hätten durchaus ankommen können." bei solchen Praktiken mit wenig Wissen über den 'wahren' Kubismus in seinen frühen Stadien, vor allem geleitet von ihrem eigenen Verständnis von Cézanne. " Die von diesen Kubisten in den Salons von 1911 und 1912 ausgestellten Werke gingen über die konventionellen Cézanne-ähnlichen Themen hinaus - das posierte Modell, Stillleben und Landschaft - von Picasso und Braque bevorzugt, um groß angelegte Themen des modernen Lebens einzubeziehen. Diese Arbeiten richteten sich an ein großes Publikum und betonten die Verwendung multipler Perspektiven und komplexer planarer Facetten für Ausdruckseffekte, während die Beredsamkeit von Themen bewahrt wurde, die mit literarischen und philosophischen Konnotationen ausgestattet waren.[4]

In Du "Cubisme" haben Metzinger und Gleizes das Zeitgefühl explizit mit mehreren Perspektiven in Verbindung gebracht und den vom Philosophen Henri Bergson vorgeschlagenen Begriff der "Dauer" symbolisch zum Ausdruck gebracht, wonach das Leben subjektiv als Kontinuum erlebt wird, in das die Vergangenheit einfließt Gegenwart und Gegenwart verschmelzen mit der Zukunft. Die Salonkubisten nutzten die facettenreiche Behandlung von Festkörper und Raum sowie die Auswirkungen mehrerer Sichtweisen, um ein physisches und psychisches Gefühl für die Fließfähigkeit des Bewusstseins zu vermitteln und die Unterscheidung zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft zu verwischen. Eine der wichtigsten theoretischen Neuerungen der Salonkubisten, unabhängig von Picasso und Braque, war die Gleichzeitigkeit . [4]mehr oder weniger auf Theorien von Henri Poincaré , Ernst Mach , Charles Henry , Maurice Princet und Henri Bergson zurückgreifen. Gleichzeitig wurde das Konzept der getrennten räumlichen und zeitlichen Dimensionen umfassend in Frage gestellt. Die während der Renaissance entwickelte lineare Perspektive wurde geräumt. Das Thema wurde zu einem bestimmten Zeitpunkt nicht mehr unter einem bestimmten Gesichtspunkt betrachtet, sondern nach einer Auswahl aufeinanderfolgender Gesichtspunkte aufgebaut, dh als ob es gleichzeitig aus zahlreichen Winkeln (und in mehreren Dimensionen) betrachtet würde, wobei das Auge frei wäre, um sich zu bewegen eins zum anderen. [56]

Diese Technik der Darstellung von Gleichzeitigkeit, mehreren Blickwinkeln (oder Relativbewegungen ) wird in Metzingers Nu à la cheminée , das 1910 im Salon d'Automne ausgestellt wurde, auf ein hohes Maß an Komplexität gebracht . Gleizes 'monumentales Le Dépiquage des Moissons (Ernteschwimmen) , ausgestellt 1912 im Salon de la Section d'Or; Le Fauconniers Fülle bei den Indépendants von 1911 gezeigt; und Delaunays Stadt Paris , die 1912 bei den Indépendants ausgestellt wurde. Diese ehrgeizigen Werke gehören zu den größten Gemälden in der Geschichte des Kubismus. Légers Die Hochzeit, ebenfalls 1912 im Salon des Indépendants gezeigt, formte den Begriff der Gleichzeitigkeit, indem er verschiedene Motive innerhalb eines einzigen zeitlichen Rahmens präsentierte, in dem sich Reaktionen auf Vergangenheit und Gegenwart mit kollektiver Kraft durchdringen. Die Verbindung solcher Themen mit Gleichzeitigkeit bringt den Salonkubismus mit frühen futuristischen Gemälden von Umberto Boccioni , Gino Severini und Carlo Carrà in Einklang ; selbst als Antwort auf den frühen Kubismus gemacht. [9]

Kubismus und moderne europäische Kunst wurden auf der mittlerweile legendären Armory Show 1913 in New York City in die USA eingeführt , die dann nach Chicago und Boston reiste . In der Waffenkammerausstellung stellte Pablo Picasso unter anderem La Femme au pot de moutarde (1910), die Skulptur Kopf einer Frau (Fernande) (1909–10), Les Arbres (1907) aus. Jacques Villon zeigte sieben wichtige und große Kaltnadelpunkte, während sein Bruder Marcel Duchamp die amerikanische Öffentlichkeit mit seinem Gemälde Nude Descending a Staircase, Nr. 2 (1912) schockierte .Francis Picabia stellte seine Abstraktionen La Danse à la Source und La Procession, Sevilla (beide von 1912) aus. Albert Gleizes stellte La Femme aux phlox (1910) und L'Homme au balcon (1912) aus, zwei hochstilisierte und facettierte kubistische Werke. Georges Braque , Fernand Léger , Raymond Duchamp-Villon , Roger de La Fresnaye und Alexander Archipenko steuerten ebenfalls Beispiele ihrer kubistischen Werke bei.

Kubistische Skulptur [ Bearbeiten ]

Pablo Picasso, 1909–10, Kopf einer Frau
Frontalansicht des gleichen Bronzegusses, 40,5 × 23 × 26 cm
Diese Fotos wurden in Umělecký Mĕsíčník , 1913 [61] veröffentlicht.

Wie in der Malerei wurzelt die kubistische Skulptur in Paul Cézannes Reduktion gemalter Objekte in Komponentenebenen und geometrische Körper (Würfel, Kugeln, Zylinder und Kegel). Und genau wie in der Malerei wurde es zu einem allgegenwärtigen Einfluss und trug wesentlich zum Konstruktivismus und Futurismus bei .

Die kubistische Skulptur entwickelte sich parallel zur kubistischen Malerei. Im Herbst 1909 modellierte Picasso den Kopf einer Frau (Fernande) mit positiven Merkmalen, die durch den negativen Raum dargestellt werden, und umgekehrt. Douglas Cooper: "Die erste echte kubistische Skulptur war Picassos beeindruckender Frauenkopf , der 1909–10 modelliert wurde und ein dreidimensionales Gegenstück zu vielen ähnlichen analytischen und facettierten Köpfen in seinen Gemälden zu dieser Zeit darstellt." [12] Diese positiven / negativen Umkehrungen wurden von Alexander Archipenko in den Jahren 1912–13 ehrgeizig ausgenutzt , beispielsweise in Woman Walking . [4] Joseph Csakywar nach Archipenko der erste Bildhauer in Paris, der sich den Kubisten anschloss, mit denen er ab 1911 ausstellte. Es folgten Raymond Duchamp-Villon und 1914 Jacques Lipchitz , Henri Laurens und Ossip Zadkine . [62] [63]

In der Tat war die kubistische Konstruktion genauso einflussreich wie jede bildhafte kubistische Innovation. Es war der Anreiz für die protokonstruktivistische Arbeit von Naum Gabo und Vladimir Tatlin und damit der Ausgangspunkt für die gesamte konstruktive Tendenz in der modernistischen Skulptur des 20. Jahrhunderts. [4]

Architektur [ bearbeiten ]

Le Corbusier, Versammlungsgebäude, Chandigarh , Indien

Der Kubismus bildete eine wichtige Verbindung zwischen Kunst und Architektur des frühen 20. Jahrhunderts. [64] Die historischen, theoretischen und gesellschaftspolitischen Beziehungen zwischen avantgardistischen Praktiken in Malerei, Skulptur und Architektur hatten in Frankreich , Deutschland , den Niederlanden und der Tschechoslowakei frühe Auswirkungen . Obwohl es viele Schnittpunkte zwischen Kubismus und Architektur gibt, können nur wenige direkte Verbindungen zwischen ihnen hergestellt werden. Meistens werden die Verbindungen unter Bezugnahme auf gemeinsame formale Merkmale hergestellt: Facettierung der Form, räumliche Mehrdeutigkeit, Transparenz und Vielfalt. [64]

Das architektonische Interesse am Kubismus konzentrierte sich auf die Auflösung und Rekonstitution der dreidimensionalen Form unter Verwendung einfacher geometrischer Formen, die ohne die Illusionen der klassischen Perspektive gegenübergestellt wurden. Verschiedene Elemente könnten überlagert, transparent gemacht oder ineinander eingedrungen werden, wobei ihre räumlichen Beziehungen erhalten bleiben. Der Kubismus war ab 1912 ein einflussreicher Faktor für die Entwicklung der modernen Architektur ( La Maison Cubiste , von Raymond Duchamp-Villon und André Mare ) und entwickelte sich parallel zu Architekten wie Peter Behrens und Walter Gropius mit der Vereinfachung der Gebäudeplanung. die Verwendung von Materialien, die für die industrielle Produktion geeignet sind, und die verstärkte Verwendung von Glas.[65]

Le Corbusier, Zentrum Le Corbusier (Heidi Weber Museum) in Zürich - Seefeld ( Zürichhorn )

Der Kubismus war relevant für eine Architektur, die einen Stil suchte, der sich nicht auf die Vergangenheit beziehen musste. So wurde das, was sowohl in der Malerei als auch in der Skulptur zu einer Revolution geworden war, als Teil einer "tiefgreifenden Neuorientierung in Richtung einer veränderten Welt" angewendet. [65] [66] Die kubo-futuristischen Ideen von Filippo Tommaso Marinetti beeinflussten die Einstellungen in der Avantgarde-Architektur. Die einflussreiche De Stijl- Bewegung befasste sich mit den ästhetischen Prinzipien des Neoplastizismus, die Piet Mondrian unter dem Einfluss des Kubismus in Paris entwickelt hatte. De Stijl wurde auch von Gino Severini verbundenzur kubistischen Theorie durch die Schriften von Albert Gleizes. Die Verknüpfung geometrischer Grundformen mit der Schönheit und Leichtigkeit der industriellen Anwendung, die Marcel Duchamp ab 1914 vorgezeichnet hatte , wurde jedoch den Gründern des Purismus , Amédée Ozenfant und Charles-Édouard Jeanneret (besser bekannt als Le Corbusier ), überlassen. der gemeinsam in Paris Gemälde ausstellte und 1918 Après le Cubisme veröffentlichte. [65]Le Corbusiers Ziel war es, die Eigenschaften seines eigenen Kubismus auf Architektur zu übertragen. Zwischen 1918 und 1922 konzentrierte sich Le Corbusier auf puristische Theorie und Malerei. 1922 eröffneten Le Corbusier und sein Cousin Jeanneret ein Studio in Paris in der Rue de Sèvres 35. Seine theoretischen Studien entwickelten sich bald zu vielen verschiedenen Architekturprojekten. [67]

La Maison Cubiste (Kubistisches Haus) [ Bearbeiten ]

Raymond Duchamp-Villon , 1912, Studie für La Maison Cubiste, Projet d'Hotel (kubistisches Haus) . Bild veröffentlicht in Les Peintres Cubistes , von Guillaume Apollinaire, 17. März 1913
Le Salon Bourgeois , entworfen von André Mare für La Maison Cubiste , in der Abteilung für dekorative Kunst des Salon d'Automne, 1912, Paris. Metzingers Femme à l'Éventail an der linken Wand

Im Salon d'Automne von 1912 wurde eine architektonische Installation ausgestellt, die schnell als Maison Cubiste (kubistisches Haus) bekannt wurde, mit Architektur von Raymond Duchamp-Villon und Innendekoration von André Mare zusammen mit einer Gruppe von Mitarbeitern. Metzinger und Gleizes in Du "Cubisme" , geschrieben während der Zusammenstellung des "Maison Cubiste", schrieben über die Autonomie der Kunst und betonten den Punkt, dass dekorative Überlegungen den Geist der Kunst nicht bestimmen sollten. Dekorative Arbeit war für sie das "Gegenteil des Bildes". "Das wahre Bild", schrieben Metzinger und Gleizes, "trägt seine Existenzberechtigung in sich., vom Museum zum Arbeitszimmer. Im Wesentlichen unabhängig, notwendigerweise vollständig, muss es den Geist nicht sofort befriedigen. Im Gegenteil, es sollte ihn nach und nach zu den fiktiven Tiefen führen, in denen sich das koordinative Licht befindet. Es harmoniert nicht mit diesem oder jenem Ensemble; es harmoniert mit den Dingen im Allgemeinen, mit dem Universum: es ist ein Organismus ... ". [68]

La Maison Cubiste war ein voll möbliertes Modellhaus mit einer Fassade, einer Treppe, schmiedeeisernen Geländern und zwei Räumen: einem Wohnzimmer - dem Salon Bourgeois , in dem Gemälde von Marcel Duchamp, Metzinger ( Frau mit einem Fächer ), Gleizes, Laurencin und Léger wurden aufgehängt und ein Schlafzimmer. Es war ein Beispiel für L'art décoratif , ein Zuhause, in dem kubistische Kunst im Komfort und Stil des modernen bürgerlichen Lebens gezeigt werden konnte. Die Zuschauer des Salon d'Automne gingen durch die von Duchamp-Villon entworfene Putzfassade zu den beiden möblierten Räumen. [69] Diese architektonische Installation wurde anschließend bei 1913 ausgestellt Armory Show , New York, Chicago und Boston, [70]im Katalog der New Yorker Ausstellung als Raymond Duchamp-Villon, Nummer 609, aufgeführt und mit dem Titel "Fassadenarchitektur, Gips" ( Façade Architecturale ). [71] [72]

Jacques Doucets Hotel Particulier, 33 Rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine

Die Möbel, Tapeten, Polster und Teppiche des Innenraums wurden von André Mare entworfen und waren frühe Beispiele für den Einfluss des Kubismus auf das, was später Art Deco werden sollte . Sie bestanden aus sehr bunten Rosen und anderen Blumenmustern in stilisierten geometrischen Formen.

Mare nannte das Wohnzimmer, in dem kubistische Gemälde aufgehängt waren, den Salon Bourgeois . Léger beschrieb diesen Namen als "perfekt". In einem Brief an Mare vor der Ausstellung schrieb Léger: "Ihre Idee ist absolut großartig für uns, wirklich großartig. Die Menschen werden den Kubismus in seiner häuslichen Umgebung sehen, was sehr wichtig ist. [1]

"Stutenensembles wurden als Rahmen für kubistische Werke akzeptiert, weil sie Gemälden und Skulpturen ihre Unabhängigkeit ermöglichten", schrieb Christopher Green, "ein Spiel der Kontraste zu schaffen, daher nicht nur Gleizes und Metzinger selbst, sondern auch Marie Laurencin, die Brüder Duchamp (Raymond Duchamp-Villon entwarf die Fassade) und Stuten alte Freunde Léger und Roger La Fresnaye ". [73]

1927 arbeiteten die Kubisten Joseph Csaky , Jacques Lipchitz , Louis Marcoussis , Henri Laurens , der Bildhauer Gustave Miklos und andere an der Dekoration eines Atelierhauses in der Rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine , das vom Architekten Paul Ruaud und entworfen wurde im Besitz des französischen Modedesigners Jacques Doucet , der auch postimpressionistische und kubistische Gemälde sammelt (einschließlich Les Demoiselles d'Avignon , das er direkt in Picassos Atelier gekauft hat). Laurens entwarf den Brunnen, Csaky entwarf Doucets Treppe. [74]Lipchitz machte die Kaminverkleidung, und Marcoussis machte einen kubistischen Teppich. [75] [76] [77]

Tschechische kubistische Architektur [ Bearbeiten ]

Haus der Schwarzen Madonna in Prag, gebaut von Josef Gočár 1912

Die ursprüngliche kubistische Architektur ist sehr selten. Der Kubismus wurde nur in Böhmen (heute Tschechische Republik ) und insbesondere in der Hauptstadt Prag auf die Architektur angewendet . [78] [79] Tschechische Architekten waren die ersten und einzigen, die originale kubistische Gebäude entwarfen. [80] Die kubistische Architektur blühte zwischen 1910 und 1914 größtenteils auf, aber die kubistischen oder vom Kubismus beeinflussten Gebäude wurden auch nach dem Ersten Weltkrieg gebaut . Nach dem Krieg wurde in Prag der Baustil Rondo-Kubismus entwickelt, der die kubistische Architektur mit runden Formen verbindet. [81]

Villa Kovařovic in Prag von Josef Chochol

In ihren theoretischen Regeln drückten die kubistischen Architekten das Erfordernis der Dynamik aus, das die darin enthaltene Materie und Ruhe durch eine kreative Idee überwinden würde, so dass das Ergebnis beim Betrachter ein Gefühl von Dynamik und expressiver Plastizität hervorrufen würde. Dies sollte durch Formen erreicht werden, die von Pyramiden, Würfeln und Prismen abgeleitet sind, durch Anordnungen und Zusammensetzungen von schrägen Oberflächen, hauptsächlich dreieckigen, geformten Fassaden in hervorstehenden kristallartigen Einheiten, die an den sogenannten Diamantschliff erinnern, oder sogar an Kavernen, die an erinnern die spätgotische Architektur. Auf diese Weise werden die gesamten Oberflächen der Fassaden einschließlich der Giebel und Dachgauben geformt. Die Gitter sowie andere architektonische Ornamente erhalten eine dreidimensionale Form. So wurden auch neue Formen von Fenstern und Türen geschaffen, z . B. sechseckige Fenster . [81] Tschechische kubistische Architekten entwarfen auch kubistische Möbel.

Die führenden kubistischen Architekten waren Pavel Janák , Josef Gočár , Vlastislav Hofman , Emil Králíček und Josef Chochol . [81] Sie arbeiteten vor allem in Prag , sondern auch in anderen böhmischen Städten. Das bekannteste kubistische Gebäude ist das Haus der Schwarzen Madonna in der Prager Altstadt, das 1912 von Josef Gočár mit dem einzigen kubistischen Café der Welt, dem Grand Café Orient, erbaut wurde. [78] Vlastislav Hofman baute 1912–1914 die Eingangspavillons des Friedhofs von Ďáblice . Josef Chochol entwarf mehrere Wohnhäuser unter Vyšehrad. In der Nähe des Wenzelsplatzes wurde auch eine kubistische Straßenlaterne erhalten , die 1912 von Emil Králíček entworfen wurde, der um 1913 auch das Diamantenhaus in der Prager Neustadt errichtete .

Kubismus in anderen Bereichen [ Bearbeiten ]

Der Einfluss des Kubismus erstreckte sich auch auf andere künstlerische Bereiche außerhalb der Malerei und Skulptur. In der Literatur verwenden die schriftlichen Arbeiten von Gertrude Stein Wiederholungen und sich wiederholende Phrasen als Bausteine ​​sowohl in Passagen als auch in ganzen Kapiteln. Die meisten wichtigen Werke von Stein verwenden diese Technik, einschließlich des Romans The Making of Americans (1906–08). Sie waren nicht nur die ersten wichtigen Förderer des Kubismus, Gertrude Stein und ihr Bruder Leo waren auch wichtige Einflüsse auf den Kubismus. Picasso wiederum war ein wichtiger Einfluss auf Steins Schreiben.

Auf dem Gebiet der amerikanischen Fiktion kann William Faulkners Roman As I Lay Dying von 1930 als Interaktion mit dem kubistischen Modus gelesen werden. Der Roman enthält Erzählungen über die vielfältigen Erfahrungen von 15 Charakteren, die zusammen einen einzigen zusammenhängenden Körper ergeben.

Die im Allgemeinen mit dem Kubismus verbundenen Dichter sind Guillaume Apollinaire , Blaise Cendrars , Jean Cocteau , Max Jacob , André Salmon und Pierre Reverdy . Wie der amerikanische Dichter Kenneth Rexroth erklärt, ist Kubismus in der Poesie "die bewusste, bewusste Dissoziation und Rekombination von Elementen zu einer neuen künstlerischen Einheit, die durch ihre rigorose Architektur autark gemacht wird. Dies unterscheidet sich erheblich von der freien Assoziation der Surrealisten und der Kombination von unbewusste Äußerung und politischer Nihilismus von Dada. " [82] Der Einfluss der kubistischen Dichter auf den Kubismus und die späteren Bewegungen von Dada undDer Surrealismus war tiefgreifend; Louis Aragon , Gründungsmitglied des Surrealismus, sagte, dass Reverdy für Breton, Soupault, Éluard und sich selbst "unser unmittelbarer Ältester, der vorbildliche Dichter" sei. [83] Obwohl diese Dichter nicht so gut in Erinnerung sind wie die kubistischen Maler, beeinflussen und inspirieren sie sie weiterhin. Die amerikanischen Dichter John Ashbery und Ron Padgett haben kürzlich neue Übersetzungen von Reverdys Werken produziert. Wallace Stevens '" Dreizehn Möglichkeiten, eine Amsel zu betrachten " soll auch zeigen, wie die vielfältigen Perspektiven des Kubismus in Poesie übersetzt werden können. [84]

Es ist fast unmöglich, die Bedeutung des Kubismus zu übertreiben. Es war eine Revolution in der bildenden Kunst, die so groß war wie die, die in der frühen Renaissance stattfand . Die Auswirkungen auf die spätere Kunst, den Film und die Architektur sind bereits so zahlreich, dass wir sie kaum bemerken. ( John Berger ) [85]

Galerie [ bearbeiten ]

  • Georges Braque , 1909–10, La Guitare (Mandora, La Mandore) , Öl auf Leinwand, 71,1 x 55,9 cm, Tate Modern , London

  • Albert Gleizes , 1910, La Femme aux Phlox (Frau mit Phlox) , Öl auf Leinwand, 81 x 100 cm, Museum of Fine Arts, Houston . Ausgestellt in Raum 41, Salon des Indépendants 1911, Armory Show 1913

  • Georges Braque , 1910, Violine und Kerzenhalter , Öl auf Leinwand, 60,96 x 50,17 cm, San Francisco Museum of Modern Art

  • Jean Metzinger , 1910–11, Deux Nus ( Zwei Akte , Zwei Frauen ), Öl auf Leinwand, 92 x 66 cm, Göteborger Kunstmuseum , Schweden. Ausgestellt bei der ersten kubistischen Manifestation, Raum 41 des Salon des Indépendants 1911 in Paris

  • Robert Delaunay , 1910–11, La ville no. 2 , Öl auf Leinwand, 146 x 114 cm, Musée National d'Art Moderne , Paris

  • Henri Le Fauconnier , 1910–11, L'Abondance (Überfluss) , Öl auf Leinwand, 191 x 123 cm, Gemeentemuseum Den Haag

  • Marcel Duchamp , 1911, La sonate (Sonate) , Öl auf Leinwand, 145,1 x 113,3 cm, Philadelphia Museum of Art

  • Pablo Picasso, 1911, La Femme au Violon , Öl auf Leinwand, Privatsammlung, langfristige Leihgabe an bayerische Staatliche Gemäldesammlungen , Pinakothek der Moderne , München

  • Fernand Léger , 1911–1912, Les Fumeurs (Die Raucher) , Öl auf Leinwand, 129,2 x 96,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum , New York

  • Georges Braque , 1911–12, Mann mit Gitarre (Abbildung, L'homme à la Guitare) , Öl auf Leinwand, 116,2 x 80,9 cm, Museum of Modern Art

  • Jacques Villon , 1912, Mädchen am Klavier (Fillette au Piano) , Öl auf Leinwand, 129,2 x 96,4 cm, oval, Museum of Modern Art , New York. Ausgestellt auf der Armory Show 1913

  • Francis Picabia , 1912, La Source ( Der Frühling ), Öl auf Leinwand, 249,6 x 249,3 cm, Museum of Modern Art , New York

  • Fernand Léger , 1912–13, Aktmodell im Atelier (Le modèle nu dans l'atelier) , Öl auf Sackleinen, 128,6 x 95,9 cm, Solomon R. Guggenheim Museum , New York

  • Albert Gleizes , 1912–13, Les Joueurs de Football (Fußballspieler) , Öl auf Leinwand, 225,4 x 183 cm, National Gallery of Art , Washington DC

  • Jean Metzinger , 1912–1913, L'Oiseau bleu (Der blaue Vogel) , Öl auf Leinwand, 230 x 196 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris . Ausgestellt im Salon des Indépendants, 1913

  • Pablo Picasso , 1913–14, Femme assise dans un fauteuil (Eva), Frau im Sessel , Öl auf Leinwand, 149,9 x 99,4 cm, kubistische Sammlung Leonard A. Lauder

  • Juan Gris , 1915, Natur morte à la nappe à carreaux (Stillleben mit karierter Tischdecke) , Öl und Graphit auf Leinwand, 116,5 x 89,2 cm, Metropolitan Museum of Art , Sammlung Leonard A. Lauder

  • Jean Metzinger , April 1916, Femme au miroir (Femme à sa Toilette, Dame an ihrem Schminktisch) , Öl auf Leinwand, 92,4 x 65,1 cm, Privatsammlung

  • Juan Gris , Oktober 1916, Porträt von Josette , Öl auf Leinwand, 116 x 73 cm, Museo Reina Sofia , Madrid

  • Pablo Picasso, 1918, Arlequin au Violon (Harlekin mit Violine) , Öl auf Leinwand, 142 x 100,3 cm, Cleveland Museum of Art , Ohio

  • Gino Severini , 1919, Bohémien Jouant de L'Accordéon (Der Akkordeonspieler) , Museo del Novecento, Mailand

  • Albert Gleizes , 1920, Femme au gant noir (Frau mit schwarzem Handschuh) , Öl auf Leinwand, 126 x 100 cm, National Gallery of Australia

Presseartikel und Rezensionen [ bearbeiten ]

  • Gemälde von Albert Gleizes , 1910–11, Paysage, Landscape ; Juan Gris (Zeichnung); Jean Metzinger , um 1911, Nature morte, Compotier et cruche décorée de cerfs . Veröffentlicht auf der Titelseite von El Correo Catalán am 25. April 1912

  • (Mitte) Jean Metzinger , um 1913, Le Fumeur (Mann mit Pfeife) , Carnegie Museum of Art, Pittsburgh; (links) Alexander Archipenko , 1914, Danseuse du Médrano (Médrano II) , (rechts) Archipenko, 1913, Pierrot-Karussell , Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Erschienen in Le Petit Comtois am 13. März 1914

  • Gemälde von Fernand Léger , 1912, La Femme en Bleu, Frau in Blau , Kunstmuseum Basel; Jean Metzinger , 1912, Tänzer in einem Café , Albright-Knox Art Gallery; und Skulptur von Alexander Archipenko , 1912, La Vie Familiale, Familienleben (zerstört). Veröffentlicht in Les Annales politiques et littéraires , n. 1529, 13. Oktober 1912

  • Gemälde von Gino Severini , 1911, La Danse du Pan-Pan und Severini, 1913, L'autobus . Erschienen in "Les Annales politiques et littéraires", Le Paradoxe Cubiste , 14. März 1920

  • Gemälde von Gino Severini , 1911, Souvenirs de Voyage ; Albert Gleizes , 1912, Mann auf einem Balkon, L'Homme au Balcon ; Severini, 1912–13, Porträt von Frau Jeanne Paul-Fort ; Luigi Russolo , 1911–12, La Révolte . Veröffentlicht in "Les Annales politiques et littéraires", Le Paradoxe Cubiste (Fortsetzung), n. 1916, 14. März 1920

  • Gemälde von Henri Le Fauconnier , 1910–11, L'Abondance , Haags Gemeentemuseum; Jean Metzinger , 1911, Le goûter (Teezeit) , Philadelphia Museum of Art; Robert Delaunay , 1910–11, La Tour Eiffel . Veröffentlicht in La Veu de Catalunya am 1. Februar 1912

  • Jean Metzinger , 1910–11, Paysage (Aufenthaltsort unbekannt); Gino Severini , 1911, La danseuse obsedante ; Albert Gleizes , 1912, l'Homme au Balcon, Mann auf einem Balkon (Porträt von Dr. Théo Morinaud) . Erschienen in "Les Annales politiques et littéraires", Sommaire du n. 1536, Dezember 1912

  • Jean Metzinger , um 1911, Nature morte, Compotier et cruche décorée de cerfs ; Juan Gris , 1911, Studie für den Menschen in einem Café ; Marie Laurencin , um 1911, Testa ab plechs ; August Agero, Skulptur, Büste ; Juan Gris , 1912, Gitarre und Brille oder Banjo und Brille . Veröffentlicht in Veu de Catalunya am 25. April 1912

  • Jean Metzinger , 1911, Le goûter (Teezeit) , Philadelphia Museum of Art. Veröffentlicht in Le Journal am 30. September 1911

  • Gemälde von Juan Gris , Bodegón ; August Agero (Skulptur); Jean Metzinger , 1910–11, Deux Nus, Zwei Akte , Göteborger Kunstmuseum; Marie Laurencin (Acryl); Albert Gleizes , 1911, Paysage, Landschaft . Veröffentlicht in La Publicidad am 26. April 1912

  • Umberto Boccioni , 1911, La rue entre dans la maison ; Luigi Russolo , 1911, Souvenir d'une nuit . Veröffentlicht in Les Annales politiques et littéraires , 1. Dezember 1912

  • Francis Picabia , Gemälde, veröffentlicht in der New York Tribune , 9. März 1913. Picabia veranstaltete seine erste Einzelausstellung in New York, Ausstellung von New Yorker Studien von Francis Picabia , in der 291 Art Gallery (ehemals Little Galleries of the Photo-Secession ). 17. März - 5. April 1913

  • Joseph Csaky , Kopf , 1913, Gips verloren; Robert Delaunay , Hommage à Blériot , 1914 (Kunstmuseum Basel); Henri Ottmann , The Hat Seller , veröffentlicht in The Sun , New York, 15. März 1914

  • Albert Gleizes (links) vor seinem Gemälde Jazz ; Jean Crotti (Mitte) studiert seine Femme à la toque Rouge ; Marcel Duchamp (rechts) an seinem Zeichenbrett, vor Jacques Villon ‚s Portrait de MJB peintre , The Sun , New York, 2. Januar 1916

  • Albert Gleizes (mit Chal Post , 1915); Marcel Duchamp (mit seinem Bruder Jacques Villon ‚s Portrait de MJB peintre (Jacques Bon) 1914); Jean Crotti ; Hugo Robus; Stanton MacDonald-Wright ; und Frances Simpson Stevens (Mitte), Every Week , Vol. 14, 2. April 1917, p. 14

  • Jean Metzinger , April 1916, Femme au miroir (Femme à sa Toilette, Dame an ihrem Schminktisch) , The Sun , New York, Sonntag, 28. April 1918

Siehe auch [ Bearbeiten ]

  • Abschnitt d'Or
  • Protokubismus
  • Vierte Dimension in der Kunst
  • Präzisionismus
  • Rayonismus

Referenzen [ bearbeiten ]

  1. ^ a b Christopher Green, MoMA-Sammlung, Kubismus, Einführung , von Grove Art Online, Oxford University Press, 2009 Archiviert am 13.08.2014 auf der Wayback Machine
  2. ^ Kubismus: Die Leonard A. Lauder-Sammlung , das Metropolitan Museum of Art, New York, 2014 Archiviert am 17.05.2015 an der Wayback-Maschine
  3. ^ Christopher Green, MoMA-Sammlung Cubism, Origins und Anwendung des Begriffs , von Grove Art Online, Oxford University Press, 2009 Archiviert am 13.06.2014 auf der Wayback Machine
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Weiterführende Literatur [ Bearbeiten ]

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  • Cooper, Douglas (1970). Die kubistische Epoche . London: Phaidon in Zusammenarbeit mit dem Los Angeles County Museum of Art und dem Metropolitan Museum of Art. ISBN 0-87587-041-4.
  • Paolo Vincenzo Genovese, Cubismo in der Architettura , Mancosu Editore, Roma, 2010. In italienischer Sprache.
  • John Golding, Kubismus: Eine Geschichte und eine Analyse, 1907-1914, New York: Wittenborn, 1959.
  • Richardson, John . Ein Leben von Picasso, dem kubistischen Rebellen 1907–1916. New York: Alfred A. Knopf , 1991. ISBN 978-0-307-26665-1 
  • Mark Antliff und Patricia Leighten, Leserin für Kubismus, Dokumente und Kritik, 1906–1914 , The University of Chicago Press, 2008
  • Christopher Green, Kubismus und seine Feinde, moderne Bewegungen und Reaktionen in der französischen Kunst, 1916–28 , Yale University Press, New Haven und London, 1987
  • Mikhail Lifshitz, Die Krise der Hässlichkeit: Vom Kubismus zur Pop-Art . Übersetzt und mit einer Einführung von David Riff. Leiden: BRILL, 2018 (ursprünglich in russischer Sprache von Iskusstvo, 1968 veröffentlicht)
  • Daniel Robbins, Quellen des Kubismus und Futurismus , Art Journal, Vol. 41, Nr. 4 (Winter 1981)
  • Cécile Debray, Françoise Lucbert, La Section d'or, 1912-1920-1925 , Musées de Châteauroux, Musée Fabre, Ausstellungskatalog, Éditions Cercle d'art, Paris, 2000
  • Ian Johnston, Vorbemerkungen zur kubistischen Architektur in Prag , 2004

Externe Links [ Bearbeiten ]

  • Kubismus, Heilbrunner Zeitleiste der Kunstgeschichte, Metropolitan Museum of Art
  • Kubismus , Agence Photographique de la Réunion des Musées Nationaux und des Grand Palais des Champs-Elysées (RMN)
  • Tschechische kubistische Architektur
  • Kubismus, Guggenheim Collection Online
  • Index historischer Sammler und Händler des Kubismus, Leonard A. Lauder Forschungszentrum für moderne Kunst, Metropolitan Museum of Art
  • Elizabeth Carlson, kubistische Mode: Mainstreaming der Moderne nach der Waffenkammer , Winterthur Portfolio, Vol. 48, No. 1 (Frühjahr 2014), S. 1–28. doi : 10.1086 / 675687